Todos queremos algo

6.3
Jake llega a la Universidad de Texas en su deportivo, con las ventanillas bajadas y la música a todo volumen. Quedan sólo unos días para que arranque el curso, pero piensa aprovecharlos conociendo chicas, yendo a fiestas y haciendo amigos. Secuela espiritual de Dazed and Confused, ambientada en los años 80. Los protagonistas, un grupo de jugadores de béisbol a punto de ingresar en la Universidad, son conscientes de que las obligaciones de la edad adulta son ya ineludibles. Everybody Wants Some!! algo Critica: Personalmente siempre he admirado algo en particular del cine de Richard Linklater, un tipo nada propenso a lucirse con planos espectaculares y en cuyos guiones parece que todo dios habla demasiado, y es lo sumamente fácil que resulta identificarse con alguno de los personajes, y la tremenda facilidad para desprender humanidad y sencillez por parte de todo el mundo. También es cierto que en todas sus películas hay momentos en los que no puedo evitar abstraerme un poco o divagar de lo que me cuentan en pantalla, pero es algo normal en un cine tan repleto de diálogos, que es difícil interesarse por absolutamente todos. algo En esta película Linklater ha querido alejarse de complejas relaciones amorosas que perduran durante dos décadas o de dotar de inmensa complejidad al protagonista. Un chaval que va a la universidad a jugar al béisbol en un coche sumamente grande, con pantalones sumamente estrechos y el pelo sumamente largo. Para quien haya nacido en Estados Unidos en los años 60 y fuera a la uni en los 80 supongo yo que esta película será nostalgia pura. Para mí que nací un poco más tarde y un poco más lejos, sigue siendo una mirada al pasado muy satisfactoria, sin pretensiones, de manos de un grupo de actores desconocidos y de gran talento. No hay una historia compleja que contar, sólo los días previos al inicio de un curso universitario de una generación de chavales muy afortunados. algo Todo tiene un ritmo adecuado, un ambiente magnificamente concebido. Es ligero, me hace sonreír, me divierto con esos tíos tan charlatanes y conscientes de que lo mejor que pueden hacer es beber cerveza, liarse con chicas y tomarse mucho el pelo. No nos quieren contar nada más, ese es el asunto. En un Hollywood actual en el que para ser reconocido tienes que pelarte de frío en la tundra suramericana o interpretar a algún transexual pionero, Richard Linklater nos permite respirar un poco de buen rollo, de historias sin alardes ni pretensiones de grandeza. Algo que yo agradezco y disfruto. Un disco de Pink Floyd y un canuto, eso es lo que ha dejado. No hay miedo. algo
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Infiltrado en el KKKlan

Comedia Crimen Drama Historia
7.6

A principios de los años setenta, una época de gran agitación social con la encarnizada lucha por los derechos civiles como telón de fondo, Ron Stallworth se convierte en el primer detective negro del departamento de policía de Colorado Springs, pero es recibido con escepticismo y hostilidad por los mandos y los agentes. Sin amedrentarse, decide seguir adelante y hacer algo por su comunidad llevando a cabo una misión muy peligrosa: infiltrarse en el Ku Klux Klan y exponerlo ante la ciudad. Infiltrado en el KKKlan Critica Los que siguen la filmografía de Lee, se darán cuenta que esta última película ha conseguido un desconcertante "punto medio", diríamos entre la hierática "Malcolm X" (creo que la más conocida de sus obras) y la extremadamente socarrona "Bamboozled" (injustamente apartada y olvidada). En todo caso, en estas tres se trasluce (sin medias tintas) el tono de denuncia referido a la segregación racial (explícita e implícita) y los prejuicios negativos (aún supervivientes) en torno a la población afroamericana en los Estados Unidos. La primera hora se pasa volando. Lee produce una serie de ejercicios visuales bastante nostálgicos sobre los setentas (coqueteando incluso con matices propios del Blaxploitation, término incluso mencionado por la activista Patrice), combinándolos con diálogos ácidos e incluso tarantinescos... Me atrevería a decir que esta es la película de Spike Lee más influida por Tarantino, sobre todo por los arquetipos exhibidos en "Django Unchained" y The Hateful Eight", aunque el propio director (y la crítica especializada) lo niegue. Sin embargo, algo sucede ya en el clímax de la trama (cuando Adam Driver consigue exitosamente ingresar al círculo de poder del KKK, incluso poder entrevistarse con el carismático y sofisticado líder, un correcto Topher Grace). Es en ese punto como que el empuje inicial, el sarcasmo, el humor y la denuncia se desinflan estrepitosamente y ya sabes cómo va a terminar la película. Ya viendo el "documental" tramo final, dan ganas de retirarse inconscientemente de la sala de cine (Lee nos coloca imágenes televisivas, para variar, aunque es parte de su sello). Con respecto al tema de la denuncia, me parece que el tono provocador se queda en los impactantes afiches gráficos que han acompañado al film. La trama pudo despegar y dar mucho más a los espectadores... Infiltrado en el KKKlan

Dos sinvergüenzas

Comedia Crimen
6.9

Después de una estafa fallida, Clóvis se encuentra con Lohane, su hermana adoptiva. Cuando están en apuros, se dan cuenta de que la única salida es seguir juntos.....Dos sinvergüenzas Critica: ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.....Dos sinvergüenzas

Parásitos

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8.5

Tanto Gi Taek como su familia están sin trabajo. Cuando su hijo mayor, Gi Woo, empieza a recibir clases particulares en casa de Park, las dos familias, que tienen mucho en común pese a pertenecer a dos mundos totalmente distintos, comienzan una interrelación de resultados imprevisibles. Parásitos Critica: Pues mirad por dónde, así lo tonto, despacito pero con buena letra, de forma constante pero sin hacer mucho ruido, Bong Joon-ho se está labrando una de las carreras cinematográficas más sólidas del siglo. Desde su debut en el año 2000 ha dirigido siete películas, todas interesantes y algunas realmente buenas. Parasite es su séptimo trabajo, y ha sido el que le ha hecho ganar la Palma de Oro en el Festival de Cannes, siendo el primer director coreano en conseguir dicho galardón. Parasite, como la mayoría de trabajos de Joon-ho, es una obra en constante metamorfosis, una criatura híbrida de pulso impredecible que muta de forma hipnótica, que es una cosa en una escena y en la siguiente es otra. Es comedia negra, drama familiar, thriller psicológico y comentario social, pero en muy raras ocasiones es todo eso al mismo tiempo. La habilidad de Joon-ho reside en cómo transita los cambios tonales, en cómo enhebra los hilos con la precisión de un reloj suizo. Parasite, como Memories of murder y The host, es una película divertida hasta que deja de serlo, una que, en cuanto ve que te relajas en la comodidad que te proporcionan las convenciones de un género, te agarra con violencia y te lleva a otro, confundiéndote, sorprendiéndote y preguntándote en qué momento ha sucedido la transformación. Y de alguna forma, por una suerte de alquimia a la que solo este director parece tener acceso, la película nunca se tambalea. Creo que lo mejor es verla sin saber absolutamente nada de ella, que es como la vi yo, así que voy a ser lo más vago posible a la hora de hablar de su historia. Solo diré que, como ya sucedía en Snowpiercer, la lucha de clases y la estratificación social conforman el núcleo temático de Parasite, pero este es, diría, un trabajo mucho más rabioso. El mundo de Parasite está enraizado en el ahora, en la pobreza, en la ambición, la desesperación y las deudas. Para el Sr. Park, hay una línea que no debe cruzarse, y esa línea es la esencia de toda la película. El guion está lleno de pequeñas sutilezas que enriquecen a los personajes y los enfrentan constantemente. Joon-ho empatiza con la familia Kim, lamenta sus tribulaciones y celebra sus triunfos, los humaniza pero nunca los encumbra. ¿Cómo podría? Tampoco cae en el error de demonizar a la familia Park. Los Park son ingenuos y amables, pero también clasistas y egocéntricos. Ellos viven en su burbuja. Song Kang-ho es el actor que más elogios se está llevando, y se entiende, es el actor más veterano y no es la primera gran actuación que nos regala en una película de Bong Joon-ho, pero la verdad es que todo el elenco está fantástico (pocos directores trabajan las dinámicas de grupo tan bien como él). Visualmente, la película también funciona. Destaco el inteligente diseño de la mansión, metálica y acristalada, fría, casi esquelética. Algo que merece la pena destacar por encima de todo es el uso simbólico de la verticalidad, una manera tremendamente inteligente de distanciar a ambas familias. El director sitúa a la familia Park arriba. Siempre arriba. De camino a la entrevista, vemos a Ki-Woo subir una cuesta de camino a la mansión. Luego, una escalera. Subir significa escalar la pirámide, codearse con la clase alta. Más adelante, el camino inverso. Bajar. Cuánto más bajas, más te acercas al pobre, al desamparado. La familia Kim vive por debajo del nivel del suelo, como bien nos enseña el primer* plano de la pelicula. No son nada. Y qué consecuencias tan diferentes trae la lluvia para unos y para otros. Para mí, lo peor de la película son los últimos diez minutos. En ellos, Joon-ho corre, acelera el desarrollo, recurre a una voz en off barata e innecesaria, y por primera vez en toda la película, peca de impaciente y nos cuenta el desenlace un poco a trompicones. Todo esto hace que los remiendos del guion sean demasiado evidentes, por desgracia. De todos modos, estos diez minutos me parecen algo debiluchos solo en comparación con el resto de la película y ni por asomo echan por tierra todo lo logrado, que es mucho, muchísimo. Parasite está destinada a convertirse en una de las películas del año. Aún no sé si me parece lo mejor que ha hecho Bong Joon-ho (Memories of murder está al nivel), pero es desde luego un trabajo genial, complejo, lleno de lecturas, sorpresas y giros que funcionan, con interpretaciones notables y mucha calidad visual. De obligado visionado. Puntuación: 8,6.

Música, amigos y fiesta

Comedia Drama Musica Romance
6.4

La película sigue a un DJ joven tratando de triunfar en la industria musical. A través de los obstáculos que encuentra en su camino y con la influencia de un carismático productor musical, el aspirante a DJ se guía en el camino que lo lleva al éxito. Música Critica: Toda la película se reduce a la búsqueda del "one track to start", nunca lo niegan, no lo esconden, simplemente te llevan por un paseo en la vida de un joven Dj que esta buscando ese sonido que lo va a hacer ganador y especial. Música No hay tantos amigos: Promesa incumplida. Lamentablemente la película naufraga en falta de profundidad con los personajes, en ahondar en el origen de los mismos y su la relación fraternal, simplemente están. Te muestran un Gang de perdedores, malhechores y bandidos buenos para nada que quieren que la vida les pase por encima. No hay mas. Algún atisbo de reflexión pero incipiente. We Are Your Friends No hay tanta rumba: Promesa incumplida. Pudiendo entrar un la escena musical tan grande como diversa de la música electrónica y poniendo al auditorio de la sala de cine a vibrar en sus sillas, la película gasta tiempo valioso, en centrarse en la relación de el protagonista con el culo de turno del papa musical del mismo. Para mi, el tiempo mas perdido de la película. Música Afortunadamente, la película logra rematar con lo que se espero desde el principio. Lo cual la salva completamente de ser un desastre de cinta. Con gusto por esta música (que lo tengo), pero neofito completamente de como se construye, da una aproximación excelente al cine espectador, donde y como se puede conseguir la inspiración para este tipo de melodías. La escena final logra lo que se esperó toda la película y es sentir esa "alma" (como la llaman en la película) de la canción y entender como el Dj es un músico que deja la piel en el escenario. Buen final. Bien Efron en esa escena.Música

Critters ¡Al ataque!

Ciencia ficción Comedia Película de TV Terror
4.9

Drea (Tashiana Washington) es una joven de 20 años que acepta a regañadientes convertirse en la niñera de una de sus profesoras de Universidad. En su intento por entretener a Trissy (Ava Preston) y a Jake (Jack Fulton), además de a su hermano pequeño Phillip (Jaeden Noel), Drea decide sacarlos de paseo por un sendero rural, sin saber que por él pulula una misteriosa raza alienígena que devora todo lo que encuentra a su paso. Critters ¡Al ataque! Critica Los Critters fueron unas criaturas que surgieron en 1986 tras el gran éxito de Gremlins y cuya vida fílmica gozó de cuatro películas que evidenciaron un desgaste de la idea inicial debido sobre todo a que había más interés en recuperar la inversión – y en potenciar el exploit de los Gremlins - que en desarrollar las virtudes de estos seres alienígenas; y sin embargo, las criaturas diseñadas por los hermanos Chiodo vuelven a la pantalla debido a su potencial. ¿Habrán acertado esta vez con la tecla? Drea tiene 20 años y su mayor ilusión es entrar en la universidad donde estudió su fallecida madre, para ganarse el favor del profesorado decide cuidar a los hijos de la decana. La llegada de dos vainas extraterrestres portando Critters puede echar por tierra su sueño y, de paso, acabar siendo devorada. Voy a responder la pregunta hecha poco antes: no, de nuevo han vuelto a fallar en este reboot de Critters. Hay ideas buenas en el guion de Scott Lobdell, también guionista de comics que basó su fama en absurdos giros en la franquicia X-Men y sobre todo es recordado por su guion de Happy Death Day, e incluso recupera todos los elementos que los fans de la saga adoran: la bola de Critters que devora todo a su paso, el Critter que suelta pompas tras beber jabón y las clásicas púas paralizantes; encontramos aroma de los ochenta en Critters Attack!, críos perseguidos que no consiguen ser creídos por los adultos, una trama que se nutre de critters rodando… Lobdell añade elementos a la mitología como que los huevos critter necesitan ser depositados en un cuerpo para crecer – ¿Alguien dijo xenomorfo? – o la existencia de una reina Critter envuelta en una suerte de guerra critter. Los aciertos del guion se pierden por culpa de la escasa pericia del director Bobby Miller para darle ritmo a una historia que necesita ser frenética, tal vez se ha dejado llevar por el elemento autoral e irrita al espectador con una narrativa demasiado lenta que desaprovecha los momentos de humor. Critters ¡Al ataque! Los aromas ochenteros de los que hablaba antes también los encontramos en la fotografía de Hein de Vos y la música sintetizada de Russ Howard III que, a veces, consigue retrotraerte al pasado; el problema es que este Critters Attack! ya no se esconde y plagia las cintas de Gremlins con tanto descaro que asusta: la reina Critter es un remedo de Gizmo, aunque en ningún momento consiguen acercarla a lo tierno del Mogway, el ataque al pueblo es clónico al de los Gremlins en la primera cinta. Y no voy a mencionar qué película de Tim Burton “homenajean” como un método para acabar con los Critters. Si hablamos del nivel actoral, Tashiana Washington arranca con fuerza como Drea pero enseguida pierde fuelle, Dee Wallace se pasea por la trama con gesto anodino y del resto del elenco destacaría a Jack Fulton como Jake, un personaje que habla poco y siempre acierta. Critters Attack! gustará a los fans de la saga Critters, gracias a los guiños hechos a las películas anteriores e incluso descubrirán el alto body count que dejan las criaturas a su paso; tal vez algún lector que no conozca a los Critters se anime a verla y, ojalá, la disfrute. Seamos positivos: tal vez algún día se haga una cinta que esté a la altura de estas icónicas criaturas. Critters ¡Al ataque!

A ti te quería encontrar

Comedia Romance
5.7

Diego, a tan solo unas semanas de su boda con Julia, la novia perfecta, es obligado por su padre a remodelar un hotel que destruyó en su descontrolada despedida de soltero. Ahí conoce a Lu, la gerente del hotel, una mujer libre, audaz y hermosa; el tipo de mujer que te hace voltear tu vida de cabeza. Lu hará que Diego se confronte consigo mismo y tome, por primera vez, el control de su vida. encontrar Critica: El realizador mexicano Javier Colinas ha experimentado con títulos que lo han llevado del thriller (‘Detrás del poder’) a la comedia (El cumple de la abuela), probando ahora con una comedia romántica que no logra zafarse de los tópicos y clichés propios del género. encontrar Diego (Erick Elias) es un tipo que está por casarse con la mujer ideal, dice estar feliz y enamorado y, además, su adinerada familia también parece estar de acuerdo respecto a ella, Julia (Paulette Hernandez), quien antes de la boda parte a Nueva York a perfeccionarse como chef de comida molecular. El día de su despedida de soltero todo le sale mal a Diego, destrozando el hotel donde se realiza la fiesta, por lo que debe enfrentarse a la gerente del lugar, Lu (Eréndira Ibarra), con quien debe negociar la remodelación del lugar, que es a lo que él se dedica, empezando con muchos roces con Lu, hasta darse cuenta de que se ha enamorado de ella. La película cuenta con una considerable ventaja, existe química entre Ibarra y Elías, a pesar de los diálogos pomposos y frases grandilocuentes que deben recitar, ambos logran transmitir una sensación de verdad en lo que viven juntos, más allá de los clichés que deben enfrentar en una relación típica de telenovela, la chica idealista, sencilla y, esto ya es un cliché propio del cine mexicano, intelectual, que logra que el tipo adinerado y superficial del que se ha enamorado transite por donde ella suele moverse, dándole a diario baños de pueblo que lo hacen reflexionar respecto a su vida. encontrar