The Banker

7.5
Historia de Joe Morris (Jackson) y Bernard Garrett (Mackie), que en los años 50 se convirtieron en los dos primeros banqueros afroamericanos en los Estados Unidos.....The Banker Critica: Un famoso exfutbolista, el día de su presentación como jugador dijo: “correré como un negro para vivir como un blanco”. Esta frase bien podría resumir el recorrido vital de Bernard Garrett (Anthony Mackie), personaje sobre la que George Nolfi (guionista de películas como ‘El ultimátum de Bourne’ y ‘Ocean’s Twelve’) construye ‘El banquero’ (estreno de Apple TV+), su tercer y más destacado largometraje hasta la fecha. Nolfi toma una historia potencialmente aburrida para, con un cursillo atropellado de matemática financiera mediante, levantar un drama contundente. Empleando recursos propios de la comedia y el thriller, orquesta una denuncia social muy dura, destacada a partir de elementos pedagógicos bien hilvanados. América años 50. Garrett y Joe Morris (Samuel L. Jackson) unen esfuerzos para convertirse en empresarios de éxito. Vivir su particular sueño americano. Son personalidades muy diferentes. Morris ha llevado siempre una vida acomodada, ha saboreado el éxito y le va de fábula. Garrett por contra es oriundo de Texas. Para cambiar su destino ha de seguir el consejo que da en ‘Django desencadenado’ el personaje que interpreta Christoph Waltz tras liberar a unos esclavos: ”emprender camino hacia otra zona más progresista de este país”. Una parte dónde al menos, la discriminación hacia los negros no esté respaldada por las leyes. En la ciudad de Los Ángeles (California) emplearan su talento para triunfar en el negocio inmobiliario. ‘El banquero’ tiene ritmo. Los pormenores de cómo la pareja protagonista cimienta su éxito, están contados con sutileza y gracia. Se aleja del maniqueísmo. Burlar al sistema quizá sea fácil en comparación con la ardua empresa de sortear el comportamiento de una comunidad acostumbrada a la segregación.....The Banker
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Promesa de vida

Bélica Drama
6.8

Primera Guerra Mundial. Un hombre australiano viaja hasta Turquía tras la Batalla de Gallipoli para buscar a sus tres hijos desaparecidos. Promesa Critica: Como si tomara a Mel Gibson -otro actor australiano convertido en director- como espejo en el que mirarse, Russell Crowe ha elegido un estilo marcadamente clásico para su primer largometraje trás las cámaras. “El Maestro del Agua” es un proyecto ambicioso y no exento de riesgos para un debut. Un viaje que navega entre el retrato intimista y las grandes epopeyas con hechuras de superproducción. Ambientada un año después del fin de la primera guerra mundial, el film centra su atención en las consecuencias de la batalla de Galípoli entre las fuerzas militares de Australia y Nueva Zelanda y el ejército turco, en especial la dolorosa pérdida de los tres hijos de un granjero zahorí de la Australia rural. Promesa Ante lo ambicioso del proyecto, Crowe cumple de sobra con la primera premisa de cualquier director: rodéate de los mejores. En el apartado interpretativo su talento está fuera de toda duda a estas alturas. Es muy bueno, lo sabe y demuestra que no es imprescindible que alguién le muestre el camino para componer el más minucioso retrato posible de Joshua Connor, su personaje. Protagonista absoluto de la historia, Crowe se echa a las espaldas la película también delante de las cámaras para contar la odisea de un hombre que lo ha perdido todo, al que su intuición innata llevará al otro lado del mundo en busca de esperanza. Crowe se rodea de un elenco muy solvente empezando por Ayshe, una Olga Kurylenko perfecta de nuevo en su dominio de los acentos (el turco en esta ocasión) que empieza a pedir a gritos un papel verdaderamente protagonista, alejado de ser siempre el objeto romántico del protagonista. También es agradable comprobar como se desenvuelve Jai Courtney lejos del género de acción, pero si duda la gran revelación es Yilmaz Erdogan. Fantástico en cada segundo de su actuación, extremadamente convincente como sabio hombre de honor atrapado en las conscuencias y la sinrazón de la guerra y derrochando presencia y química en su relación con Crowe y con Cem Yilmaz, el actor turco que interpreta a su lugarteniente. Promesa Al buen trabajo del elenco de actores hay que sumarle otro aspecto técnico que eleva a “El Maestro del Agua” por encima de la media: el maravilloso trabajo de fotografía del maestro Andrew Lesnie. El ganador del Oscar por su labor en “El Señor de los Anillos” otorga a la película un acabado final majestuoso, muy especialmente en el espectacular abanico cromático que crea para la ciudad de Constantinopla y la impresionante manera de resaltar la belleza, textura y colorido del vestuario.The Water Diviner Promesa

El mundo oculto de Sabrina

Drama Misterio Sci-Fi & Fantasy
7.6

Sabrina está a punto de cumplir 16 años y se debate entre el mundo de la magia de su familia y el mundo real de sus amigos. Historia basada en el cómic de Archie. Chilling Adventures of Sabrina Critica: Sabrina, la joven bruja, está en vísperas de ser la futura novia de Satán. Ciertamente, no es que yo mismo sea un cristianísimo indivíduo al que le molesten estos asuntos. Pero a la vez, no puede decirse que sea un cambio de estilo que me haya convencido. Porque Sabrina es (era), en principio, una bruja patosa que, lejos de hacer pactos con el diablo, se mete en líos ella solita, ejerciendo una magia que no necesita de sangre, vísceras, ranas machacadas, o gallos triturados. Y en la serie original, prácticamente la trama resulta de arreglar esos líos que ella misma provoca, todo regado con dosis de sarcasmo y apoyado en la actuación de los artistas. Sabrina Esta serie sin embargo me resulta extremadamente chocante en ese apartado: Lejos de una sabrina que encandila a los críos, es una serie quizás mucho más orientada a los adultos que ya vieron la primera: Aquí hay violencia, sangre y muertos. Diría que han dinamitado la idea de una serie "familiar", que era precisamente por lo que mi generación pudo disfrutar de la "Sabrina: Bruja Adolescente". Y esta es la auténtica pena del asunto, no es una serie que se deja ver. No es la bruja inocentona y patosa: Aquí se enfrenta a peligros sobrenaturales muy reales y de consecuencias mortales. Es por tanto una serie para individuos que ya conocieron a Sabrina, pero lejos de mantener el aspecto inocente y divertido y el tono humorístico, la han decidido cambiar en una suma de historias de macabro morbo, de resultas que el aspecto que precisamente era el más recordado de la serie original, acaba siendo rechazado. Sabrina Es comprensible que entonces digan que es una serie nueva. Pero ahora bien, tampoco es una serie que responda a las aventuras de la Sabrina de los comics de Archie. La sabrina de Archie es más parecida a la Sabrina de la primera serie que a esta. Entonces ¿Qué Sabrina es la que estamos viendo? Pues la Sabrina de Netflix, supongo. Igual que el Archie de Netflix. ¿ Y qué significa esto? Que se va a quedar entre dos aguas, que promete mucho y hace poco, sobretodo porque quiere abarcar muchas cosas y no se dan cuenta los productores y los propios guionistas que es algo imposible mantener la frescura de la "serie original" (como nos han venido los paniaguados de los críticos del periódico) si precisamente sacrificas lo que le daba frescura, que era el tono humorístico. Sabrina

Sueños de libertad

Drama Romance
6.2

En 1921, Ewa y su hermana Magda dejan su Polonia natal y emigran a Nueva York. Cuando llegan a Ellis Island, a Magda, enferma de tuberculosis, la ponen en cuarentena. Ewa, sola y desamparada, cae en manos de Bruno, un rufián sin escrúpulos. Para salvar a su hermana, Ewa está dispuesta a aceptar todos los sacrificios y se entrega resignada a la prostitución. La llegada de Orlando, ilusionista y primo de Bruno, le devuelve la confianza y la esperanza de alcanzar días mejores. Con lo que no cuenta es con los celos de Bruno. The Immigrant Sueños de libertad Critica: El séptimo arte se ha acercado en multitud de ocasiones al drama de la inmigración. Desde 'Charlot emigrante' pasando por 'The Visitor', 'Un franco 14 pesetas' o 'En América', los ejemplos cinematográficos de las dificultades y penurias que pasan los protagonistas abundan las estanterías, colecciones y carteleras de los cines. Como drama que supone abandonar la tierra que te vio nacer para buscar una nueva oportunidad en un país extranjero, no faltan los elementos característicos de este género que, en contadas ocasiones, se combinan con algún deje cómico para poner de manifiesto aquello de al mal tiempo buena cara. No es el caso de esta película, que prescinde de cualquier elemento cómico y se echa en brazos del drama. Pero bien además, porque es un auténtico 'dramón'. Marion Cotillard -Ewe-, Joquin Phoenix -Bruno- y Jeremy Renner -Orlando- forman el trío protagonista y amoroso de una cinta pretenciosa, que intenta mostrar, entre otras cosas y sin resultados, la capacidad que tiene el ser humano de sufrir para sobrevivir. Su portentoso arranque, con un plano inicial que recuerda ipso facto a la llegada de Vito Corleone a la propia isla en el Padrino II, se va diluyendo como un azucarillo por el farragoso y aburrido guión. El desarrollo de los acontecimientos avanza con pesada lentitud entre los bajos fondos de Nueva York, bien retratada por la magnífica fotografía de Darius Khondji, que ya ha demostrado su sobrada capacidad en otros trabajos como Seven o A Roma con amor. Un excesivo sosiego que evidencia la pérdida de interés a medida que avanza el metraje. Sueños de libertad Los decorados, la ambientación, el maquillaje, el vestuario y, sobre todo, el talento descomunal que ofrecen, una vez más, Cotillard, Phoenix y Renner, salvan un filme que se pierde a mitad de camino hacia el éxito. La falta de empuje de Gray, más preocupado por la estética que por el contenido y que abusa de escenas desagradables e incomodas, regodeándose en las desgracias que persiguen a la joven polaca, provocan en muchas ocasiones la falta de ritmo de la película. Sueños de libertad

Fuerza antigángster

Acción Crimen Drama Suspense
6.3

Los Angeles, 1949. Mickey Cohen (Sean Penn, 'Mystic River'), originario de Brooklyn, se ha convertido en el gran jefe de la mafia que dirige la ciudad. Todos parece pasar por sus manos: drogas, armas, prostitutas, y cualquier material robado. Se encuentra absolutamente protegido por los miembros de su clan, que lo veneran como a su líder indiscutible, pero no solo eso, pues sus tentáculos van más allá de los bajos fondos: parte del cuerpo de policía y algunos miembros del sector político se encuentran bajo su influjo. Sin embargo, todavía hay hombres dentro de la brigada policial que no se dejan amedrentar por la corrupción. Es el caso de los sargentos John O'Mara (Josh Brolin, 'No es país para viejos') y Jerry Wooters (Ryan Gosling, 'Drive'), que contra todo y contra todos, intentarán destruir el imperio del todopoderoso Cohen. Gangster Squad Fuerza Critica: Se imaginan una película de acción de Jason Statham en blanco y negro, sin peleas físicas sino con enfrentamientos verbales sobre filosofía y ética secular y filmada en larguísimos planos fijos sin montaje? “Gangster Squad (Brigada de élite)” es el ejemplo inverso anterior al cine negro: ametralladora de frases presuntuosas y finalmente huecas con encaje de cajón y un popurrí digital-machacón que supone la redefinición actual de más de lo mismo con una empaque de videojuego. En el pasado tuvimos “Los intocables de Eliot Ness” o “L.A. Confidential” como referentes de los 80 y 90 respectivamente y “Mulholland Falls (La brigada del sombrero)” y “Dick Tracy” como fallidas definiciones del noir. El filme de Ruben Fleischer será recordado con el tiempo dentro de ese último grupo en tiempos actuales dominados por la elegancia descriptiva y litros de calidad de “Boardwalk Empire”. Fuerza Puede que el recital de frases intenten una pretenciosa capacidad de profundidad en un discurso hueco: «Mañana me quitarán la placa pero aún soy policía…» o «Hay dos cosas que no tienen vuelta atrás: las balas que se disparan y las cosas que se dicen» parecen las mejores… aunque «Me he casado con un policía honesto. Eres buena persona, hablas poco, eres un tigre en la cama… pero no necesito un héroe sino un marido» resume la propuesta: todo se reduce en ser o no ser un calzonazos. Lamentablemente la ropa interior cinematográfica de Fleischer aquí llega a los suelos y se atiborra de pelusillas. Fuerza El mafioso dice que es el progreso… pero de la biografía de "Mickey" Cohen nadie esperaba un cruce de un anuncio de Loewe y el videojuego ‘Mafia’. “Gangster Squad (Brigada de élite)” me recuerda al desapercibido y carísimo remake de más de 22 millones de euros de presupuesto que hizo Alain Corneu de “Le deuxième soufflé” de Jean-Pierre Melville, con Daniel Auteuil, Monica Bellucci, Michel Blanc, Jacques Dutronc e incluso Eric Cantona. En la cinta de Fleischer el efecto se apodera de nuevo del efecto, del sensacionalismo relumbrón y la estética de la emulación a patrones visuales sugerentes para el público actual. El protagonista afirma que no sabe vivir sino luchar, pero su historia no tiene fuerza ni para un asalto en el mes de cualquier encéfalo. Los buenos se convierten en malos y los malos siguen en malos, aunque no se plantean resortes morales. “Gangster Squad (Brigada de élite)” es puro efectismo hueco y pomposo. Puro brillo, puro porno: de una paja rápida, de un polvo sin historia. «No dispares donde esté… dispara donde va a estar», nos cuentan como lección. Precisamente pocos se acordarán dentro de un año de “Gangster Squad (Brigada de élite)”. Casquillos, bolas de navidad pulverizadas y mucho humo…es el resumen de la propuesta. Sí, mucho humo. Toda película lleva su distintivo y la de Fleischer es OLVIDO. Fuerza

The Gift of Christmas

Drama

En Navidad en la casa de Kentucky de George y Denise Barnett, las decoraciones están listas y los niños están sonriendo, pero no todo está bien. George está preocupado por su amigo Don Ford mientras la directora del coro Denise está preocupada por el concierto de Nochebuena en su iglesia. Mientras tanto, el hermano de George, Allen, trabaja como guitarrista de estudio en Los Ángeles..... The Gift of Christmas Critica: claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.... The Gift of Christmas

La habitación

Drama Suspense
8.1

Para Jack, un niño de cinco años, la habitación es el mundo entero, el lugar donde nació, donde come, juega y aprende con su madre. Por la noche, mamá lo pone a dormir en el armario, por si viene el viejo Nick. La habitación es el hogar de Jack, mientras que para su madre es el cubículo donde lleva siete años encerrada, secuestrada desde los diecinueve años. Con gran tesón e ingenio, la joven ha creado en ese reducido espacio una vida para su hijo, y su amor por él es lo único que le permite soportar lo insoportable. Sin embargo, la curiosidad de Jack va en aumento, a la par que la desesperación de su madre, que sabe que la habitación no podrá contener ambas cosas por mucho más tiempo. Room habitación Critica: Nuestro mundo es la suma fragmentaria de las cosas que conocemos o que nos han contado del universo. Nuestra visión del mundo depende de lo que podamos abarcar con nuestros sentimientos, sensaciones, percepciones e intelecto y siempre será algo parcial e incompleto que apenas refleja un puñado de posibilidades y alternativas, siempre cambiantes, aleatorias y en perpetua fluctuación. Y a veces la única vía de escape es la fantasía, que nos permite dilatar y extender los límites de nuestra cárcel circunstancial. Estar presos puede ser una sensación, un temor, una condena o una realidad, pero depende de nosotros, de cómo lo percibamos y lo denominemos, para que lo que tal vez sea un cautiverio, un valle de lágrimas o un calvario pueda ser soportable y nos podemos enfrentar el día a día que se abre ante nosotros. habitación Aunque estemos ante una ficción, lo terrible es que casos similares han ocurrido – que sepamos – tanto en Europa como en EEUU, lo cual confiere a esta cinta un plus de autenticidad lacerante que nos perturba y conmueve. Los abusos sexuales, la violencia explícita o implícita de lo que vemos (o de lo que permanece fuera de campo pero se sugiere con sutil contundencia), el sadismo de algunas personas con sus semejantes, el abuso de autoridad, la manipulación y la brutalidad que algunos son capaces de ejercer sobre los demás… todo ello tiene cabida en esta portentosa cinta que abruma por su aparente sencillez, por su exquisito tacto y por su firme sensibilidad e inquebrantable compasión con el sufrimiento humano. Lo que podría haber sido un mero telefilme adocenado es un espeluznante estudio sobre la crueldad y nuestra asombrosa capacidad de supervivencia. habitación Quizás lo más destacable de la cinta sea el admirable guión de Emma Donoghue (que adapta su propia novela). Encuentra siempre el tono justo, sin recrearse en lo truculento que relata pero sin omitir ningún detalle atroz, sin esquivar el dolor, perplejidad, espanto, abatimiento e impotencia de sus protagonistas. La primera hora plantea una situación insalubre y claustrofóbica, mientras que la segunda hora ahonda en las dificultades de sobrevivir al fin del horror, en cómo nos resistimos a cerrar nuestro duelo personal, por la sensación de aislamiento, soledad y rabia que sentimos al no entender que el mundo haya podido seguir adelante en nuestra ausencia. Otro gran acierto es centrarse en el punto de vista del eslabón más débil, el niño, su mirada inocente, su capacidad de asombro, su desconcierto. habitación