The Umbrella Academy

The Umbrella Academy
7.7
Un grupo disuelto de superhéroes se reúne después de que su padre adoptivo, quien los entrenó para salvar el mundo, muere. The Umbrella Academy Critica: The Umbrella Academy cuenta con una curiosa premisa que, sin dejar de ser entretenida, se desmorona cada vez más a cada capítulo que pasa. Es el alto nivel de producción el que sostiene el castillo de naipes, pero intentando apuntalar un guion y una puesta en escena que, por otra parte, parecen estorbarse entre sí. La serie, a la hora de decidir qué contar y cómo contarlo, parece tan perdida como sus protagonistas. A veces te ponen Radiohead de fondo y parece haber ciertas pretensiones dramáticas, pero éstas no tardan en desentonar con la posterior escena de acción con música canallita que te incita a despreocuparte y dejarte llevar por la gamberrada. Pero la mayor disonancia la encontramos en el guion y en esa aparente voluntad de sorprender al público a cada capítulo. Porque la serie dura diez capítulos, y eso son diez cliffhangers, y eso es mucha información que ocultar al espectador y, por extensión, a los protagonistas. Y al final son demasiados protagonistas divagando como pollo sin cabeza entre los flashbacks explicativos de una trama que, además de resultar previsible, puede acabar cargándose la suspensión de incredulidad de cualquiera.
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Ip Man

Acción Drama Historia
7.7

Foshan, años treinta. Ip Man, respetado maestro de Wing Chun, combina el estudio de las artes marciales con los combates ocasionales a los que se ve forzado por parte de sus admiradores. Son tiempos de prosperidad a los que la guerra con Japón amenaza con poner fin. Con la ocupación estallará la tragedia e Ip Man se verá obligado a defender el honor de su pueblo. Ip Man (o también conocido como Yip Man), fue maestro y mentor de Bruce Lee. Ip Man Critica: Las 2 críticas anteriores son muy respetables pero no las comparto para nada. Son fruto de una ignorancia muy significativa, pues sin ánimo de que ésto sea un insulto ni descalificativo, esta película es inhusual ya que plasma de una forma muy leal la personalidad, espíritu solidario y valentía de un hombre que perfeccionó y enseñó un sistema de defensa personal muy efectivo y que hoy en día hace furor en todo el mundo. No caigamos en los tópicos de películas "Americanizadas", por favor, seamos realistas, si indagamos un poco en la Historia sabremos que los Japoneses no tenían nada que envidiar a los Nazis ni a los Americanos en sus guerras e invasiones a otros países. Los "Japos" invadieron, masacraron y abusaron de los chinos. Al mismo tiempo ellos creían estar en posesión del Arte Marcial más efectivo de Oriente, por lo que como bien se plasma en esta cinta, retaban a todo practicante de Artes Marciales Chinas para demostrar que su KARATE era más destructivo que el KUNG FU. Yo lo siento por los practicantes de KARATE ya que no les va a gustar que se vea reflejada en esta película que un solo hombre pueda vencer hasta a 10 contrincantes, pero para los amantes de las Artes Marciales y los que conocemos este sistema -WING CHUN- no nos va a resultar nada exagerado ni extraño lo que sucede en los combates. Para los "karatekas" que no les guste esta película o se ofendan por ver las peleas tienen un film para su deleite -KURO OBI-. Ip Man Aquí se ha comentado de que no sale Bruce Lee. Para opinar antes hay que informarse un poquito, y os diré que este película es la 1ª de una Trilogía. En ésta se ha querido mostrar tal y como era Ip Man. En las próximas veremos a Ip Man -Donnie Yen- enseñando Wing Chun a un joven Bruce Lee -supongo que será el mismo actor que protagoniza la serie "The Legend of Bruce Lee- . Así que no seáis impacientes y disfrutad de está película que de verdad merece la pena y para los amantes de las Artes Marciales os recomiendo que os dejeis los prejuicios y las tonterías y pasadlo bien viéndola. Ip Man

Promesa de vida

Bélica Drama
6.8

Primera Guerra Mundial. Un hombre australiano viaja hasta Turquía tras la Batalla de Gallipoli para buscar a sus tres hijos desaparecidos. Promesa Critica: Como si tomara a Mel Gibson -otro actor australiano convertido en director- como espejo en el que mirarse, Russell Crowe ha elegido un estilo marcadamente clásico para su primer largometraje trás las cámaras. “El Maestro del Agua” es un proyecto ambicioso y no exento de riesgos para un debut. Un viaje que navega entre el retrato intimista y las grandes epopeyas con hechuras de superproducción. Ambientada un año después del fin de la primera guerra mundial, el film centra su atención en las consecuencias de la batalla de Galípoli entre las fuerzas militares de Australia y Nueva Zelanda y el ejército turco, en especial la dolorosa pérdida de los tres hijos de un granjero zahorí de la Australia rural. Promesa Ante lo ambicioso del proyecto, Crowe cumple de sobra con la primera premisa de cualquier director: rodéate de los mejores. En el apartado interpretativo su talento está fuera de toda duda a estas alturas. Es muy bueno, lo sabe y demuestra que no es imprescindible que alguién le muestre el camino para componer el más minucioso retrato posible de Joshua Connor, su personaje. Protagonista absoluto de la historia, Crowe se echa a las espaldas la película también delante de las cámaras para contar la odisea de un hombre que lo ha perdido todo, al que su intuición innata llevará al otro lado del mundo en busca de esperanza. Crowe se rodea de un elenco muy solvente empezando por Ayshe, una Olga Kurylenko perfecta de nuevo en su dominio de los acentos (el turco en esta ocasión) que empieza a pedir a gritos un papel verdaderamente protagonista, alejado de ser siempre el objeto romántico del protagonista. También es agradable comprobar como se desenvuelve Jai Courtney lejos del género de acción, pero si duda la gran revelación es Yilmaz Erdogan. Fantástico en cada segundo de su actuación, extremadamente convincente como sabio hombre de honor atrapado en las conscuencias y la sinrazón de la guerra y derrochando presencia y química en su relación con Crowe y con Cem Yilmaz, el actor turco que interpreta a su lugarteniente. Promesa Al buen trabajo del elenco de actores hay que sumarle otro aspecto técnico que eleva a “El Maestro del Agua” por encima de la media: el maravilloso trabajo de fotografía del maestro Andrew Lesnie. El ganador del Oscar por su labor en “El Señor de los Anillos” otorga a la película un acabado final majestuoso, muy especialmente en el espectacular abanico cromático que crea para la ciudad de Constantinopla y la impresionante manera de resaltar la belleza, textura y colorido del vestuario.The Water Diviner Promesa

Amor en forma

Comedia
5.1

Danny es una recién divorciada, rica y tremendamente miserable y vaga que para salir de la rutina de quedarse en casa decide contratar a un entrenador personal en un gimnasio local. Allí conoce al importante propietario, Trevor y al irresistible entrenador, Kat. De pronto, las vidas de los tres se ven irremediablemente conectadas, tanto profesional como personalmente. Results Amor en forma Critica: Un multimillonario, deprimido y aburrido, se cruza en la vida de una vitalista entrenadora personal y su enérgico jefe mentor, que cree a pies juntillas en la prosperidad de su iniciado negocio, en visionar el sueño para posteriormente hacerlo realidad con trabajo, esfuerzo y férrea fuerza de voluntad, la misma constancia que le hace querer mejorar la vida de sus clientes a través de la autodisciplina y el control, clave para una vida feliz y dichosa. Amor en forma Pero he aquí que su último fichaje práctica la desgana, el abandono y el pasotismo, incoherencia inexplicable que, entre gordito y afable, o musculado pero frustrado y lleno de ira se queda con lo primero, pues de la perfección de los cuatro puntos específicos a conquistar y trabajar -el físico, lo mental, espiritual y emocional- ninguno parece aportar la prometida complacencia o ventura vendida ya que, el pretendido maestro zen del cuerpo, la mente y el espíritu está tan perdido, nublado y obstruido como su perezoso alumno, que no tiene problemas en admitir que está solo y es un desastre. Porque este drama cómico con tintes destartalados de pasos dispares va sobre la soledad, el acoplamiento, el fracaso, la desdicha y vacío de conseguir los logros, la bonanza y relax de abandonar y admitir que no llegas, encorsetados personajes de presencia óptima, saludable y teledirigida a la alegría y bienestar de una existencia positiva frente al relajamiento y sus excusas, más ese revés que llegará como mazazo de desidia, aceptación de los límites y conformismo de no buscar más y estar cómodo en la ruina; porque hay que renunciar a dejar de progresar cuando ello te hace más mal que bien, cuando impide expresar tus sentimientos y oprime tu alma, cuando tu espíritu y emoción protestan al ser asfixiados, al ser testigos de como tratas de dirigir y dominar su existencia al igual que haces, obsesivamente, con la mente y el cuerpo, inevitable choque que traslucirá y se estrellará gracias a un torpe, remolón y excéntrico personaje que no halla destino ni camino, pero que tampoco pretende ocultarlo tras esa perfecta apariencia que por dentro se ahoga y muere lentamente. Calidad actoral para un guión diferente, estrambótico por momentos, cómico por sentencias, irregular por escenas y extraño como nota discordante general que expone, con esa claridad difícil de captar, el mismo repartido y sufrido dolor para todos; nadie se salva, desde quien indescubriblemente lo lleva escrito en la cara, a quien lo oculta tras una lúcida y cuidada presencia, donde resultará curioso y atrayente comprobar quién es más sano de ellos por mirarse ante el espejo y no tener problema en apreciarse por dentro. Ritmo ligero, de desfachatez seria para una dejadez y apatía que gana al empuje, nervio y empeño, desmadre situacional para soltar una dirección que se escapa y un poder autoritario y reprimido que no ofrece los resultados esperados, pues de eso trata este caótico argumento, que utiliza la ironía y burla escénica para que te intereses por el desenlace de sus personajes, tanto de quien contrata un calendario privado de ejercicios, como de quien lo confecciona pero se olvida de revisar el suyo propio, donde ha dejado de lado las sensaciones y esencia que le acompañan pues no se doblegan a la impuesta rigidez de la obediencia repetitiva. Amor en forma

Una noche en el fin del mundo

Acción Ciencia ficción Comedia
6.7

Cinco amigos de la infancia se reúnen después de 20 años porque uno de ellos está empeñado en volver a probar suerte en un maratón alcohólico que nunca pudieron llegar a completar. Gary King, un cuarentón que todavía no ha conseguido superar la adolescencia, convence a sus cuatro reacios amigos y los arrastra a su pueblo natal en un desesperado intento por llegar al famoso pub “The World’s End”. Pero mientras intentan reconciliar el presente con el pasado, empiezan a darse cuenta de que la auténtica lucha debe librarse por el futuro, y no solo el suyo, sino el de toda la humanidad. Llegar al pub “The World’s End” es ahora el último de sus problemas. Bienvenidos al fin del mundo The World's End Una noche Critica: En “Bienvenidos al fin del mundo” volvemos a los noventa y a la cassette y al inmovilismo ya visto en “Zombies Party” como forma de vida, pero esta vez Gary King —y su actitud de mantenerse fiel a su pasado— le enfrenta a mundo cambiante donde la tecnología se ha hecho con el poder y las juventudes clónicas campan a sus anchas en locales y pubs que parecen haberse sometido al multinacionales siendo copias inalterables. No hay distinción, no hay originalidad, no hay lugar a la sorpresa, el contacto humano está al alcance de un smartphone y cada vez parecemos una colmena… de robots. Sorprende, además, que Gary King sea un personaje llamativamente trágico sobre un fin nihilista aunque enfocado a una redención propia, mucho más acertado que esos jóvenes atrapados en cuerpos de adultos que la comedia norteamericana y extensiones apatowianas se encargan de utilizar cada año con el mismo agradado que utilizar un condón usado. Todo ese viaje sumado a la apropiación cultural de un pastiche pop, disparatado, extravagante —que entona el cruce perfecto entre el slapstick más surrealista y las coreografías de Jackie Chan— genera una nueva articulación de la parodia como elemento ejemplar y narrativo de una aventura burlesca e hilarante. Una noche Posiblemente Wright haya plasmado la película más políticamente incorrecta y con texto completamente anárquico sobre la imposibilidad de someter a reglas definidas y dictatoriales al ser humano. Somos seres libres y hedonistas, necesitados de un Winchester para divertirse, emborracharse, perderse y volver. La necesidad (y a veces necedad) de dar una conclusión a las cosas provoca que el protagonista decida reunir a sus amigos de adolescencia para finalizar la ‘Milla de Oro’ y darse cuenta de que la juventud nunca volverá y el inmovilismo es la navaja más afilada en tiempos en los que todo avanza más rápido que nosotros mismos, abduciéndonos dentro de un sistema pre-calculado que nos invita a ser más perfectos. Realmente estamos posiblemente ante la película anti-sistema más concisa precisamente por no tomarse en serio y dejar dispuesto el futuro de la humanidad a un puñado de borrachos egoístas que dejan clara la más profunda de las verdades: el ser humano es imperfecto por naturaleza y un animal indomable que nunca desea estar amarrado a reglas. Se agradece, como colofón, la absoluta sinceridad y transferencia de la propuesta en ese alegórico nombre del pub que marca el último destino y parada: El Fin del Mundo es, efectivamente, el Fin del Mundo. Una noche en el fin del mundo. Una noche

Una buena mentira

Drama
7.4

Un refugiado de la guerra civil sudanesa convive en los Estados Unidos con otros niños sudaneses. Tras su llegada a América, los pequeños conocen a Carrie, una trabajadora social que, consciente de su tragedia, trata de enseñarles cómo deben desenvolverse en un mundo tan distinto al suyo. The Good Lie Una buena mentira Critica: Philippe Falardeau aborda como director el drama de los niños perdidos de Sudán a través de la efectiva historia de la guionista Margaret Nagle. Conscientes de que la taquilla siente debilidad por las lágrimas pero no por el horror, la descripción de las matanzas en África no carga las tintas en la sangre, sino en las emociones de un grupo de niños a los cuales se les va arrebatando todo cuanto tienen: casa, padres, hermanos, amigos, agua, comida… Hasta que sólo les queda esperanza. Una buena mentira Reese Whitherspoon es el reclamo publicitario del cartel, pero no es ni de lejos su protagonista. Recibe el encargo de representar al occidental que toma conciencia de su propia vacuidad al enfrentarse a los sueños de cuatro supervivientes de la guerra. Un personaje agradecido en el cual reside cierto encanto cómico y que la actriz aprovecha sin pretender eclipsar a los verdaderos protagonistas del film. La buena mentira nos acerca de forma conmovedora y edulcorada una de las realidades más vergonzosas y brutales de la humanidad: la sinrazón del dolor, la muerte y la miseria de pueblos inocentes arrasados por guerras absurdas que no comprenden e ignorados por un primer mundo que les vuelve la espalda. Puede que nos lo acerque de una manera poco profunda, pero lo consigue, y eso sin duda es un mérito nada desdeñable. Todos los elementos están urdidos de forma impecable para conmovernos. La cámara de Falardeau, sin aspavientos, exhibe de forma natural y llana unas escenas donde cuenta más la empatía con el personaje que la plasticidad. El guion nos deja paladear la amargura, pero nos propone el bálsamo de la sonrisa para tragarnos esta píldora que, de lo contrario, rechazaríamos. Los intérpretes se adecúan como un guante a unos papeles amables por los cuales sentimos oleadas de simpatía y comprensión, descritos a través de escenas y anécdotas que no sólo construyen la trama, sino que también justifican su evolución psicológica y la coherencia de sus actos. Un éxito total de la narratividad. Una buena mentira

Casi Navidad

Comedia Drama
5.6

Una familia se dispone a pasar su primera festividad juntos tras la muerte de la madre. Walter, el viudo, descubrirá que el auténtico milagro de las fiestas es que sus dos hijas y sus dos hijos puedan estar cinco días bajo el mismo techo. Almost Christmas Casi Navidad Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Casi Navidad Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia. Casi Navidad