Los juegos del hambre

7.1
Lo que en el pasado fueron los Estados Unidos, ahora es una nación llamada Panem: un fastuoso Capitolio ejerce un control riguroso sobre los doce distritos que lo rodean y que están aislados entre sí. Cada distrito se ve obligado a enviar anualmente un chico y una chica entre los doce y los dieciocho años para que participen en los Hunger Games, que son transmitidos en directo por la televisión. Se trata de una lucha a muerte, en la que sólo puede haber un superviviente. Katniss Everdeen, una joven de dieciséis años, decide sustituir a su hermana en los juegos; pero para ella, que ya ha visto la muerte de cerca, la lucha por la supervivencia es su segunda naturaleza. The Hunger Games Los juegos del hambre Critica: Para empezar, no he leído los libros, así que mi visión es exclusivamente de lo que vi en la película. La historia inicia con buenos tintes, ofreciéndonos un futuro distópico donde unos jóvenes elegidos en distintos distritos, tienen que matarse entre sí en un reality show, para gustar al público y en mayor medida, a los patrocinadores que pueden enviarles ayuda para sobrevivir. La historia es narrada desde el punto de vista de una participante, quien al igual que los otros chicos intenta salir viva de aquella carnicería. El problema es que en la película (repito, no sé en los libros, no los he leído) los personajes son contradictorios (no porque sean complejos, sino porque están mal construidos) y no logran que el espectador se compenetre con ellos (apenas salí del cine, ni siquiera recordé sus nombres). Sobre los personajes también me gustaría recalcar que algunos son tan vacíos (tanto en su interpretación como en la construcción del mismo) que no nos producen ni odio ni amor y simplemente los vemos ahí como relleno. Los juegos del hambre Meten escenas que buscan la lágrima fácil, una escena de amor (supongo que los que leyeron los libros saben a que me refiero a menos que haya sido una libertad creativa) que no cuaja por ningún lado (o por lo menos no con lo mostrado en la pantalla). Además de eso, la película cuenta con una fotografía normal (no es la gran cosa sinceramente), una banda sonora que no sobresale, escenas con bueno y malos efectos (en spoilers diré a qué me refiero exactamente) y unas tomas donde se mueve la cámara hasta la saciedad, mareando al público (no hablo sólo a la escena de la carnicería, sino de muchas otras escenas). Rescato el vestuario, el maquillaje y algunas locaciones del principio de la película. Los juegos del hambre
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La cura siniestra

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6.2

A un joven y ambicioso ejecutivo le encargan una misión: traer de vuelta al director de su empresa de un idílico y enigmático centro de “bienestar” situado en un área remota de los Alpes suizos. Pronto sospecha que los milagrosos tratamientos que allí tienen lugar no son lo que parecen. Su cordura se pone a prueba cuando empieza a desvelar los terroríficos secretos que allí se ocultan y es diagnosticado con la misma extraña enfermedad que mantiene a los pacientes a la espera de la cura. A Cure for Wellness siniestra Critica: Hombre, si tengo que elegir entre un Wall Street que me pone enferma de estrés y un balneario-secta, pues con los ojos cerrados me quedo enferma en mi ajetreada vida capitalista, que al menos en Nueva York los dentistas no son unos sádicos. siniestra «La cura del bienestar» parte de esta idea, la idea del malestar generalizado que azota las sociedades ricas, insatisfechas, solitarias, estresadas y ambiciosas, y que produce la autodestrucción del hombre. Solo que no nos damos cuenta del daño que nos hace, del mismo modo que los pacientes del balneario no se dan cuenta del daño que le hacen a ellos, seguros y engañados por un falso sueño de felicidad. ¿No hay forma, acaso, de despertar de este círculo inacabable, de esta habitación sin salida? siniestra Gore Verbinski ofrece una película impactante y bien realizada pero que comete unas cuantas imprudencias argumentales que podrían haberse evitado con facilidad. «La cura del bienestar» tiene un formato inquietante, personajes sospechosos en cuanto aparecen, lo que ya está muy visto, y un desenlace que encuentro demasiado ficticio. DeHaan está muy bien, su misma cara inquieta de por sí, Jason Isaacs es el anfitrión perfecto para un idílico balneario suizo en el que cuesta creer que en pleno siglo veintiuno ocurran estas cosas y Mia Goth tiene ese punto erótico-perverso que poco a poco se irá asentando por causas ajenas a ella. Pobrecita Hannah. Sin duda la película cuenta con el acierto de saber introducir tensión en el espectador: ver sufrir a una persona suele producir empatía con el espectador, pero mayor simpatía aún es si quien sufre, o puede sufrir, es una joven inocente. Entonces ambos sufrimientos se combinan y el encanto reside en llegar al límite sin sobrepasarlo, y «La cura del bienestar» logra este punto en el que, después del horror, podemos respirar algo más tranquilos. siniestra

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Evan McCauley tiene habilidades que nunca aprendió y recuerdos de lugares que nunca ha visitado. Automedicado y al borde de un colapso mental, un grupo secreto que se hace llamar "Infinitos" acuden a su rescate, revelando que sus recuerdos son reales....Infinito Critica: Infinite (2021) es la nueva película de ciencia ficción y acción de Antoine Fuqua, en la que presenta un enfrentamiento entre dos facciones de hombres que tienen la capacidad de reencarnar. Con Mark Wahlberg y Chiwetel Ejoifor. Estreno en Paramount +. Por Nicolás Bianchi Fuqua supo brillar con Training Day (2002), con la intriga policial como principal activo, y luego discurrió por caminos más frecuentes en el cine de acción como con las dos entregas de The Equalizer (2014 y 2018) o el western The magnificent seven (2016). No hay dudas de que el director sabe encuadrar persecuciones automovilísticas, tiros, explosiones y cuchillazos, y de todo eso hay en Infinite, aunque también está claro que nunca encontró un guión como el del film de 2002 que lo lanzó a la fama. Esta no es la excepción a la dinámica que tomó su carrera desde hace tiempo. Evan (Mark Wahlberg) es un hombre que, al parecer, padece esquizofrenia y sufre de problemas mundanos: no tiene trabajo, está por quedarse sin dinero y por lo tanto ve comprometida su capacidad de pagar el alquiler. A partir de un trato con un narcotraficante que se complica, del que esperaba obtener los medicamentos para que las alucinaciones no se apoderen de su vida, Evan es arrestado..En la comisaría donde está esposado es visitado por Bathurst (Chiwetel Ejoifor), quien inicia el despertar del personaje al contarle que se conocen de las guerras púnicas, la Revolución Francesa y varios otros eventos históricos. Cuando los personajes se empiezan a entender, Evan es rescatado por una mujer que maneja un auto blindado que rompe una de las paredes de la comisaría para ingresar adonde el protagonista está encerrado. Así de drásticas, o torpes, son las acciones en una película que avanza a los golpes... Infinito

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André decide suicidarse pero, cuando está a punto de hacerlo, descubre que no es el único: a su lado, una joven está por tomar la misma decisión. André decide salvarla, y este encuentro cambiará totalmente su vida...Angel-A Angel Critica: Angel-A es una extraña e intimista comedia a la que le caben tanto el adjetivo de romántica como surrealista; con ella, el cineasta francés Luc Besson ha declarado que se despide del cine de autor. El destacado realizador se ha caracterizado por su mirada indagadora de la interioridad de personajes solitarios y desventurados, en un mundo que no parece trazado a su medida y del cual buscan una vía de escape. Con "Angel-A", Besson parece poner fin a esa etapa que ha ofrecido grandes momentos. Lo hace, combinando una deliciosa y muy simple historia que reúne a una pareja-despareja: la altísima modelo danesa Rie Rasmussen (descubierta por Brian De Palma) y el bajísimo actor de origen magrebí, Jamel Debbouze (conocido por su participación en Amélie). La mujer es el insólito "ángel" del título y él, un estafador de poca monta que, apremiado por deudas non santas, huye de unos temibles hampones. Ambos convergen en el marginal espacio de los aspirantes a suicidas, en este caso, el borde de un puente sobre el río Sena, donde se descubren en la misma desesperada actitud. Cuando ella se lanza al agua, él se olvida de sus propios problemas para rescatarla. Desde ese momento no se apartarán uno del otro y sus vidas cambiarán rotundamente. Angel Lo que sigue, es un juego de paralelismos y contrastes, donde comprobaremos cómo el ángel no es tan perfecto ni el reo tan irredimible, mientras Besson intenta combinar lo mejor de sí, quedando finalmente una obra con momentos de buen cine, subrayados por una comicidad de amplio espectro, que va desde las más poéticas sutilezas hasta bordear la desmesura del grotesco. El bajo perfil parece acompañar a esta encantadora película que fue estrenada con visible demora en nuestro país, donde las críticas no han sido benévolas ni el público la ha bendecido desde el punto de vista taquillero. Algunos han visto torpeza en los pasos de comedia, o no perdonan que su relato vaya desde lo naif a lo sentimental, acercándose desprejuiciadamente a una óptica new-age. Angel

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Godzilla: La ciudad al borde de la batalla

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En el último verano del siglo XX los seres humanos descubrieron que no son los únicos que gobiernan el planeta Tierra, pues aparecen enormes criaturas conocidas como “kaiju” y el ser definitivo que los destruye a todos: Godzilla. Debido a la batalla contra los monstruos que duró más de medio siglo, los humanos han experimentado una derrota tras otra hasta que, finalmente, deciden escapar de la Tierra. En el año 2048, solo aquellos seleccionados por la IA que controla el gobierno central pudieron subir a la nave emigrante intersideral Aratrum para dirigirse a Tau Ceti e, un planeta a 11,9 años luz del nuestro. Sin embargo, las diferencias en las condiciones ambientales son mucho peores de lo previsto y el nuevo mundo resulta ser uno imposible de habitar. Godzilla: La ciudad al borde de la batalla Critica Netflix está explotando la veta del animé, con resultados bastante satisfactorios. Mientras esperamos Godzilla: Rey de los Monstruos, vimos la segunda parte de la trilogia que el gigante del streaming está produciendo acerca del lagarto atómico. En la primera entrega nos contaron la historia del momento en que una humanidad al borde de la extinción decide escapar del planeta Tierra, debido al peligro que corría de dejar de existir por culpa de la presencia de un ser supremo y destructivo: Godzilla. Pululando por el basto universo, miles de años después, sin haber encontrado un planeta con características para que la vida humana permanezca, con los suministros apunto de acabarse, el consejo humando decide regresar a su planeta madre. La decisión se ve impulsada por el plan de un militar para derrotar al titán. Porque claro, la versión animé del animal jurásico es casi indestructible. Historia solida, batallas de nivel estratosférico que sólo el dibujo japonés sabe alcanzar y esa sensación de soledad de la bacteria humana intentando permanecer (muéranse ya, de una vez) se extenderán en una trilogía, que ya tiene en línea su segunda parte. Hiroyuki Seshita invirtió en historia todo el desgaste que hubiese significado llevar este film al formato live action. Y que bien lo hace, planteando de frente un relato apasionado y desesperado de los últimos guerreros desviviéndose por recuperar la Tierra, enfrentando a un pesado, lento, pero poderoso Godzilla. Es ahí donde erradica su terror, su paso lento y calculado, como del clásico asesino en serie que te persigue por el bosque, trastabillando, y su víctima corriendo, pero da lo mismo, igual la van a atrapar. El lagarto gigante desprende muerte y horror, apoyado sobre un diseño que lo dibuja más grande y alto que cualquier montaña y una inmortalidad que tiene en las cuerdas las aspiraciones, de esos pequeños bicharracos llamados humanos, por recuperar su planeta, misma inmortalidad que extendió la batalla a una tercera y última entrega. Godzilla: La ciudad al borde de la batalla 

American Girl: Lea al rescate

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Nacido para la aventura, Lea Clark dirige profundamente en la selva de Brasil, donde su historia más emocionante espera. Lea to the Rescue American Girl CriticaL: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. American Girl Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia. American Girl