Looop Lapeta

Elena ha pedido cena a domicilio, pero cuando abre la puerta, descubre que el repartidor es Manu, el que fue su gran amor y a quien hace demasiados años que no ve. En otro lugar de la ciudad, Javier es un director de casting a punto de poner a prueba a un actor con el que mantiene algo más que un vínculo profesional. No muy lejos de allí, Eva se dispone a ser infiel por primera vez a su marido con un compañero de trabajo. Mientras, Marian y Oliver inauguran el piso con el que se han hipotecado por treinta años. Y Carol y Orestes se conocen en una fiesta a la que acuden desconocidos dispuestos a abrazarse. Cinco lugares y unos personajes enfrentados a sí mismos y a sus sueños no cumplidos. Nadie dijo que fuera fácil hacerse mayor....Lugares a los que nunca hemos idoCritica: *Trayectoria cinematográfica de Roberto Pérez ToledoAntes de su última y definitiva película Lugares a los que nunca hemos ido, el guionista, montador y director lanzaroteño Roberto Pérez Toledo tenía una intensa carrera cinematográfica.Autor de más de cuarenta cortometrajes presentados y premiados en los cinco continentes. Su primer largometraje Seis puntos sobre Emma realizado en 2011 consigue la Biznaga de Plata al Mejor Guion en el Festival de Málaga y a la Mejor Actriz. Luego participa en la película colectiva Al final todos mueren, Los amigos raros, Como la espuma y la serie de televisión Amor superdotado.Su cine se caracteriza por tratar temas relacionales poniendo siempre el foco en personas periféricas y en los márgenes que habitualmente no aparecen en el cine. Como buen observador da mucha importancia a los sentimientos y las relaciones interpersonales. En su cine las miradas y los silencios son tan importantes como las palabras o los diálogos.Desde su propia experiencia personal rompía barreras físicas y mentales con sus guiones y rodajes. Abordaba siempre sus obras con enfoque de comedia dramática retratando muy bien sus personajes..... Lugares a los que nunca hemos ido

Nick, un joven surfista, cree que todos sus sueños se han hecho realidad cuando va a visitar a su hermano en Colombia. Con el trasfondo idílico de lagunas azules y blancas playas, Nick se enamora perdidamente de una bella joven llamada María. Todo parece perfecto hasta que Nick conoce al tío de la joven, un tal Pablo Escobar. EscobarCritica:Resulta curioso como funciona el mundo de Hollywood. Hace unos años, cuando disfrutaba de la serie "Entourage (AKA El séquito)", el personaje de Vincent Chase, se enfrentaba al complicado rodaje de una cinta en la que encarnaba al famoso narcotraficante Pablo Escobar. Durante esos episodios, y observando la caracterización que en la serie hacían de Vincent para el papel, siempre pensaba para mis adentros: "si algún día alguien decide rodar este proyecto, el protagonista debería ser Benicio Del Toro". Cual fue mis sorpresa al descubrir la existencia del título sobre el que ahora escribo. EscobarCon esto, no quiero decir que considere al actor de origen puertorriqueño encasillado en papeles de héroe o villano relacionados con el mundo de la droga, ni mucho menos. Pero sí considero que a la hora de dar vida a personajes capaces de manipular todo aquello que está a su alrededor con una simple mirada, Benicio no tiene rival. Estamos ante un actor de raza, de mirada suspendida en el tiempo, capaz de congelar la sangre con un simple gesto, o de templar corazones con un parpadeo. Uno de esos intérpretes capaces e levantar proyectos con su sola presencia, gracias a un carisma que, además, trasciende la pantalla. EscobarY esta vez, no es menos. Poniéndose en la piel del sanguinario Pablo Escobar, esa suerte de Robin Hood nacido bajo el poderoso y denigrante mercado de la droga, Del Toro compone una de esas interpretaciones potentes que desbordan al espectador por su excelencia, a la vez que es capaz de pasar por la pantalla mostrando una economía de histrionismos que congelan la sangre ante la sobriedad de un personaje que más que con las palabras, es capaz de dominar su entorno por la enorme complejidad de su mirada. Una mirada violenta que, gracias al excelente trabajo del actor hispano-norteamericano, sienta las bases de lo que sin duda es el gran punto fuerte de "Escobar: Paraíso perdido".Pero no es cuestión de menospreciar la labor tras las cámaras en su debut del también actor Andrea Di Stefano, pese a que peque de falta de riesgo durante casi todo el metraje. En esta, su ópera prima, el italiano deja a Benicio a los mandos del barco, para que sea él el que navegue la película por las aguas del éxito. Porque si bien estamos ante un título capaz de mantener el ritmo durante sus 120 minutos, lo hace a través de un thriller tópico cargado de situaciones y puntos comunes con otros títulos ya conocidos. Sin poner nada nuevo bajo el sol, Di Stefano solventa la papeleta con una cinta que se sabe entretenida y que, además de en la interpretación de Del Toro, tiene otra de sus bazas en la excelente partitura de Max Richter, compositor que este año ha saltado a la palestra para muchos gracias a su excelente trabajo en la interesante serie "The Leftovers".Escobar: Paradise Lost Escobar

Basado en una historia real sobre la pareja Jerry y Marge Selbee, quienes ganaron la lotería y usan el dinero para revivir su pequeña ciudad....Jerry & Marge Go LargeCritica: llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia..... Jerry & Marge Go Large

Cuenta las andanzas de la Ella, una joven cuyo padre, un comerciante, vuelve a casarse tras enviudar. Para agradar a su padre, acoge con cariño a su madrastra y a sus hijas en la casa familiar. Pero, cuando su padre muere inesperadamente, la joven queda a merced de unas mujeres celosas y malvadas que la convierten en sirvienta y la relegan a la cocina. Pero, a pesar de la crueldad con la que la tratan, está dispuesta a cumplir las últimas palabras de su madre que le dijo que debía "ser valiente y amable". Cinderella CenicientaCritica:Sigue funcionando la máxima de que “nada debe ser tocado, para que todo cambie”. CENICIENTA, de Kenneth Branagh, se postula con entusiasmo a convertirse en un lucidor ejemplo de ello. Orquestada bajo el implacable control de la factoría Disney, evidentemente, la tentación de una relectura contemporánea que combatiese con voracidad contra el legendario clásico de 1950 era harto improbable. De ahí que, en un principio, la noticia de que un realizador en horas muy desorientadas, como es el caso de Kenneth Branagh, se hiciese cargo de este encargo hacía prever un producto facturado a mayor gloria del mero rescate comercial, cómodo, obediente y listo para mundial consumo. CenicientaSin embargo, la sorpresa de esta resurrección en carne y hueso de uno de los hitos más incuestionables de la historia del cine de animación viene dada por partida doble: primero, por cuanto la película ofrece, como no podía ser de otra forma, lo que la productora exige y de ella cabría esperar (esto es, un respeto máximo y disciplinado para con el original recuperado), pero permitiendo que la operación contemporaneizadora logre introducir una serie de sugestivos arreglos dramáticos mediante los cuales el producto final disponga tanto de una sutil autonomía con respecto al clásico, como de una mínima pertinencia moderna. Y, segundo, por cuanto felizmente la película logra que nos reencontremos con unos animosos modos, que nos permiten recuperar al mejor Branagh de mucho, mucho tiempo. CenicientaCon tan solo un par de meses de diferencia, van a coincidir en nuestra cartelera el estreno de CENICIENTA con la exhibición de INTO THE WOODS, de Rob Marshall. La comparativa entre ambas resulta un planteamiento de análisis muy válido para hacer resaltar las virtudes de la primera. La película de Marshall era un fracaso casi absoluto, por cuanto resultaba bastante evidente que el autor de CHICAGO no había tenido la capacidad realizadora de estar a la altura de un material escrito (un libreto de un magnífico musical escrito por Stephen Sondheim), en el que, justamente, la idea central era la de cuestionar a los personajes de los cuentos infantiles, de humanizarlos, de tolerar que se revelaran contra un futuro ya escrito, en el que, además, deben afrontar las decisiones tomadas fruto de ese quiebro al destino. La inapropiada caligrafía acartonada, gélida y pobretona con la que esta fascinante idea de partida estaba resuelta condenaba a INTO THE WOODS a quedar condenada a imperdonable oportunidad perdida para un musical de primera línea. Cenicienta

Gianni es un seductor en serie, pero su vida está destinada a cambiar cuando conoce a Chiara, una bella mujer parapléjica....Rodando hacia tiCritica: ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.... Rodando hacia ti