Joy: El nombre del éxito

6.5
Joy Mangano, una humilde trabajadora de Long Island, acabó convirtiéndose en una popular inventora de productos del hogar y también en uno de los rostros más conocidos de la teletienda americana. Joy Critica: Las voces del insistente culebrón de su madre la siguen en toda su juventud, cimentando en ella un mundo falso de cartón piedra donde las mujeres, bajo el amparo de la supuesta "liberación", se libran de personas indeseables... solo para acabar de nuevo en los brazos del siguiente hombre, confortadas después de haber tenido un breve momento de autoafirmación. Por lo tanto, esa definitiva liberación nunca llega, y a cambio si se fomenta el inmovilismo y la fantasía del príncipe azul que algún día llegará, que tiene presa tanto a la madre de Joy como condicionó a su propia abuela. Son reveladores esos sueños, en la penumbra de la consciencia, en los que Joy se ve a si misma dentro del propio culebrón, creyendo esa ilusión de autoafirmación que ha mamado desde niña y que ella cree tener. Hasta que un día su propio yo, encerrado desde hace años, dice "basta", y es entonces cuando la princesa que no necesitaba ser salvada renace en una mujer que era salvada por la miseria de su padre, su ex-marido y su mejor amiga. Joy Lamentablemente, ese interesante tono de cuento maduro en la Norteamérica moderna se pierde a partir de que Joy tenga su idea de la fregona milagrosa y la ponga en práctica. En su lugar, se tira de oficio y del buen hacer de un realizador interesado en la más mínima emoción en el rostro de Jennifer Lawrence. Podría ser una elección acertada, teniendo en cuenta que es a partir de entonces cuándo ella está más sola en su aventura empresarial, con esos hombres trajeados que nunca la mirarán a su misma altura por mucho que ella lo intente, pero acaba por ser un lastre que vuelve a la biografía típica de éxito tras fracaso, y vuelta a empezar. Falta verdadera emoción, e ideas poderosas, para volver a impulsar un barco en que solo rema una actriz contra viento y marea. Joy Resulta interesante, sin embargo, la descripción que hace de la trastienda de una gran idea, así como de cada gran ayudante o buitre que se acerca Joy para tratar de canibalizar su éxito. Las actrices de culebrón que antes eran dorados ídolos se revelan arrugadas y canosas en escenarios falsos, anticipando la falsedad que crece tras la sombra del éxito. No faltarán los que dicen que saben más que tú, los que dicen que tienen una mejor idea que tú, los que saben hacerlo mejor que tú. Incluso los lazos de sangre poco importan: los momentos más desgarradores son aquellos en los que se ve la decepción callada en la mirada de tu familia. Y está claro que no es la fama mal gestionada o que tu producto no se sepa vender bien lo que duele, sino la más fría soledad que se siente en una cima que todavía nadie puede ver. Joy Trudy, la novia de su padre, irónicamente esa persona externa que debería querer verla fracasar, es la única que le dice: "para hacer negocios, hace falta cierta dureza, cierta fuerza que tú no tienes". Y es precisamente, el surgir de esa dureza lo que estamos viendo. Dureza contra todos los que creen posible destrozar tus oportunidades, contra un mundo inclemente que por prejuicio o manipulación de los que tienen el poder no va a hacer ninguna concesión.
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Una sombra en mi ojo

Bélica Drama Historia
7.3

El 21 de marzo de 1945, la Real Fuerza Aérea Británica emprendió una misión para bombardear el cuartel general de la Gestapo en Copenhague. La incursión tuvo consecuencias fatales, ya que algunos de los bombarderos apuntaron accidentalmente a una escuela y murieron más de 120 personas, 86 de las cuales eran niños...Una sombra en mi ojo Critica: llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.... Una sombra en mi ojo

Frankenweenie

Animación Comedia Familia
6.8

De la mente del director Tim Burton ('Alicia en el país de las maravillas', 'La leyenda de Sleepy Hollow'), surge 'Frankenweenie', la tierna historia de un chico y su mascota. Cuando el pequeño perro Sparky fallece, Víctor (su amo y amigo) trata de usar diversas técnicas científicas para intentar revivir al animal, y traerlo de vuelta al mundo de los vivos, todo ello mediante algunos ajustes corporales. Aunque el chico intenta que nadie vea a su "monstruo", el perro Sparky consigue escapar, los amigos del colegio del niño, sus profesores e incluso todos sus vecinos sabrán que construir una nueva vida puede llegar a ser algo terrible y escalofriante. Frankenweenie Critica: La tierra rellenaba el hueco de una tumba cuya lápida e inscripción se estaban terminando de pulir… Tim Burton, algunos divisaban. La decepción de sus últimos trabajos parecía marcar la cita final en su lápida, pese a que incluso con la aparatosidad y artificio de sus obras más frustradas había recaudado lo suficiente para comprar todo el cementerio donde iba a ser enterrado. Todo estaba preparado. Todo… menos el cadáver… a la espera de confirmar la falta de pulso en “Frankenweenie”, su película terminal para ratificar el talento póstumo. Pero la vida parecía florecer cuando otros seguían echando arena, polvo y grava encima de su supuesto cadáver. Nadie ha filmado antes un largometraje en stop motion en blanco y negro, teniendo la posibilidad de realizarlo en color, y lanzándose al 3D. Nadie ha conseguido resarcirse gracias a la misma obra que causó su despido en el pasado y ser recibido con los brazos abiertos de su verdugo. Frankenweenie Burton ha rodado su personal “Ed Wood” animado, su nueva obra de culto desenterrando todo el cine fantástico clásico como si fuera el joven protagonista que hace sus propias películas, para buscar la pureza en la creación del cine. “Frankenweenie” nos trae de regreso a aquel chico de 26 años que hacía sus primeros cortos sin que el mundo alrededor entendiera sus experimentos. Entregada en una pasional y cadavérica bandeja de mortecina plata con una sentida reverencia a la figura de Vincent Price, proporcionada por Mr. Rzykruski, que nos revela el secreto del cine: en todo experimento el corazón también se considera una importante y vital variable. Mientras otros crean monstruos resucitando un pasado que murió hace tiempo, Burton al igual que Victor Frankenstien nos devuelve vida en estado puro y pura electricidad. “Frankenweenie” es la chispeante, vibrante y sentida emoción donde se utiliza New Holland y su letrero a lo Hollywood como campo de experiencias cinematográficas. Burton saca su guadaña para seccionar las partes del cine fantástico y de terror que le interesan y construir un monstruo lleno de espíritu. Las piezas encajan y se podría encumbrar una pila funeraria de referencias, amontonada sobre el talento propio del cineasta. Frankenweenie

Equipo foca

Animación Comedia Familia
7.3

Después de que su mejor amigo muere en un ataque de tiburón, Quinn, una adorable pero tenaz foca, reúne un EQUIPO SEAL para luchar contra una banda de tiburones que se apodera del vecindario. Pero esta alegre banda de focas internacionales no está en absoluto entrenada para tal misión....Equipo foca Critica: Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia....Equipo foca

Al filo del invierno

Drama Suspense
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Narra la historia de dos hermanos, que se ven atrapados en el bosque junto a su padre, al que apenas conocen. Recientemente divorciado y despedido del trabajo, el padre muestra un carácter imprevisible.... Al filo del invierno Critica: Terminando de ver “Edge Of Winter” (2016) de Rob Connolly con Joel Kinnaman, Tom Holland, Percy Hynes White, Shiloh Fernandez, Rossif Sutherland, Rachelle Lefevre, entre otros. Drama de suspenso y terror, sobre un padre inestable, y sus 2 hijos que lo visitan para unos días juntos; pero la situación se sale de control, cuando los hijos le cuentan que su madre y su nueva pareja, se mudan a Londres. La historia es muy original, técnicamente muy bien rodada, en pleno invierno canadiense, con pocos elementos más que el entorno natural, tan salvaje como el padre, y una cabaña donde se refugian los niños, como “los cerditos del cuento, acechados por el lobo feroz” La narración es muy dinámica, no pierde ritmo, y hace buen uso de la fotografía y los escenarios, un invierno tan frío y una naturaleza tan solitaria y muerta que inquieta. De los actores, en sus mejores momentos, a destacar la mejor actuación de Joel Kinnaman, que atrapa con sus cambios de registros, lo hacen un personaje impredecible y peligroso; mientras que los niños, siempre dan la talla: Tom Holland demuestra una vez más el gran actor que es, con sus miradas, sus silencios y su lógica; y Percy Hynes White, no da tanto pero si demuestra la naturalidad de un niño de su edad. Los demás personajes, son más satelitales que ayudan al desarrollo de los acontecimientos, sobre todo la pareja de hombres dueños de la cabaña. La película ha sido una grata sorpresa, pues aquí no hay los efectos especiales del cine reciente, tan saturado; sino una historia sencilla y terrorífica del “rito de paso”, sobre la familia, sobre los hijos no queridos, y una paternidad inesperada; supervivencia, coraje y hermandad. La película tiene un trasfondo muy crítico sobre el control de armas, el alcoholismo, el manejo de la ira, y el significado de lo que es ser padre..... Al filo del invierno

Batman Vs. Dos Caras

Acción Animación Comedia
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En la Penitenciaría de Gotham, en presencia de Batman, Robin y el Fiscal de Distrito Harvey Dent, el Dr. Hugo Strange y su asistente, Dr. Harleen Quinzel, realizan un experimento en cinco presos; Joker, Penguin, Riddler, Egghead y Mr. Freeze en un intento de eliminar su mal con una máquina llamada Evil Extractor. El experimento funciona mal y Harvey se expone a un gas marcándole el lado izquierdo de su cara y que hace que éste se convierta en Dos Caras. Batman Vs. Dos Caras Critica Mientras ves esta película, es imposible abstraerse del hecho de que Adam West ya no está entre nosotros. Como un absurdo de justicia poética, siguió honrando su papel más famoso hasta sus últimos momentos, tan imposible era separarlos a ambos. Adam West fue Batman y Batman fue Adam West, dos caras de una misma moneda que siempre nos cayó en el lado más favorable. Por eso, nada más adecuado que su nueva y última aventura sea 'Batman vs Dos Caras', ese capítulo perdido que nunca vimos, adaptando a un villano que en sus matices morales poco se prestaba a la exageración o la parodia habituales de la serie. Porque esta historia va de dobles, de pulsiones ocultas bajo una fachada de bondad, o de las distintas sensibilidades que conviven bajo una misma persona. Harvey Dent, el intachable fiscal de distrito y fiel amigo de Bruce Wayne, queda marcado por la maldad recombinada de diversos villanos nada más empezar, dando rienda suelta a un habitante de su fracturada mente que hasta ahora no se había asomado y plantando una semilla de vileza en un hombre que decide lo que será al tirar una moneda al aire. Toda una provocación frente a todos esos bienes o males absolutos que son los demás, cuyas acciones sólo admiten una sola vía de moralidad. Pero la verdad es que en todo Gotham, héroes y villanos, existen dobles personalidades, tapadas incluso con menos éxito que Harvey si cabe, porque son conscientes de ellas o se sorprenden a veces con su atractivo: ahí quedan el Rey Tut, amable profesor que ha aprendido a tolerar los accesos que le causa un megalómano faraón, o la abogada Lucilee Diamond, visiblemente cautivada por las perversas curvas que el traje de Catwoman deja en su rígido carácter. Por supuesto, dos estandartes de la doble personalidad deberían ser el Cruzado de la Capa y el Chico Maravilla, pero realmente tampoco, siempre han sido dos personas decididas e ingeniosas con disfraz o sin él, que no admiten dobles lecturas o dramas de identidad secreta, y precisamente Gotham les necesita porque son así, como admiten el Comisario Gordon y su ayudante, más autoconscientes que nunca en su función como comparsas del murciélago. Pero la caída en desgracia de Harvey precipita la poca objetividad de Bruce y la envidia de Dick, quizá por primera vez aportando un matiz de duda a su perfecto historial como justicieros. Ahora por fin se comprende por qué Dos Caras nunca tuvo su aparición sesentera: demasiados detalles a contemplar, demasiado difícil de asimilar el concepto de una persona que condena los actos de su alter-ego pero a la vez los necesita como liberación, para un mundo de blancos o negros que sólo la traviesa ambigüedad de Catwoman se atrevía transitar. Pero los tiempos cambian, Batman y Robin nunca los han negado, y por eso esta película se permite contemplar esos conceptos duales, de paso admitiendo que es esa conjunción extraña de humor, habilidad lingüística y onomatopeyas lo que da su encanto a esta versión (a su manera, otra tanda de diferentes sensibilidades que conviven en un mismo cuerpo). Batman Vs. Dos Caras Por eso también el Dúo Dinámico toma inspiración en su imaginario popular: el famoso bofetón a Robin y la postura frente al relámpago de su serie noventera se recrean, tal vez como prueba de que esto sigue admitiendo referencias en su mezcla, junto a todas las que queden por venir. Con una extraordinaria interpretación vocal de William Shatner mediante, y sin desmerecer a un espléndidamente jovial Burt Ward y una sensual Julie Newmar, Dos Caras llega para contarnos que todos tenemos otra persona dentro, y cuanto antes aceptemos que sus gustos y vicios nos complementan, antes seremos capaces de disfrutar sin reparos de toda la maravilla retro que este Caballero Oscuro nos ha vuelto a brindar, aunque vayan a haber versiones más oscuras, más tormentosas o menos inocentes en el audiovisual. Lo único, el detalle más pequeño, la tristeza más grande, es que esto es un final. Le dice Batman a Robin: "no querría tener a otra persona a mi lado en esta interminable lucha contra el crimen". Y te podría decir, querido Adam West, que yo tampoco, por muchos que vayan a venir tras de usted. Batman Vs. Dos Caras

Todo el día y una noche

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Un joven que cumple cadena perpetua en prisión rememora las circunstancias, la gente y el sistema que lo empujaron a cometer su crimen.....Todo el día y una noche Critica: El principal problema de ‘Todo el día y una noche’, primer largometraje de Joe Robert Cole, coguionista de ‘Blak Panther’ (2018), radica en acercarse a una temática exprimida hasta la extenuación. La situación de la comunidad afroamericana en Estados Unidos se ha mostrado con títulos que empequeñecen la obra de Cole. Al no aportar nada novedoso ni en lo social, cultural y dramático, la cinta se hunde rehén de sus premisas. Es como intentar reflotar un tractor atascado en el fango apretando a fondo el acelerador. En la primera secuencia vemos a un joven (Ashton Sanders) tarareando estrofas de una canción rapera como método de concentración ante el doble asesinato que va a perpetrar. Ya en la cárcel, y con una cadena perpetua por delante, recuerda acontecimientos vitales que le han colocado en semejante tesitura. ‘Todo el día y una noche’ arranca y finaliza con pinceladas que rememoran sendos anhelos de su desdichado protagonista: convertirse en cantante y no seguir la estela marginal de su padre. La propuesta se desenvuelve mejor cuando nos adentra en su interior, intentando descifrar qué pasa por su cabeza, analizando una conducta zigzagueante, contradictoria. Se sustenta en un gran trabajo de Sanders, exhibiendo durante todo el metraje una actitud inescrutable. Un pozo insondable para crear una atmósfera enigmática. Vemos a un perdedor. Un niño criado en una familia desestructurada, con un padre violento y drogadicto. Un barrio sólo para gente de color, dominado por la violencia, la exclusión, el trapicheo. Y la sombra del presidio esperando en la puerta a una juventud condenada. Ese es el subtexto con el que Cole martillea al espectador: no hay salida, el futuro está dictado para esta pobre gente......Todo el día y una noche