Inferno

5.9
Robert Langdon se despierta en una habitación de hospital en Florencia, Italia, sin memoria de lo que ha ocurrido en los últimos días. De repente se encuentra a sí mismo, una vez más, el blanco de una cacería humana importante. Pero con la ayuda de la Dra Sienna Brooks, y su conocimiento de la simbología, Langdon va a tratar de recuperar su libertad, y la pérdida de los recuerdos, todo al mismo tiempo que resuelve los más intrincados enigmas que ha enfrentado. Inferno Critica: Qué ganas e ilusión tenía por ver esta película... porque los libros de Dan Brown me entretienen mucho y concretamente Inferno me pareció de los mejores... porque Tom Hanks es uno de mis actores favoritos de siempre... y porque las anteriores adaptaciones de Ron Howard habían estado bastante bien (El código Da Vinci creo que es muy fiel al libro... Ángeles y Demonios se toma más licencias pero aun así mantiene bastante bien la esencia y sigue siendo una adaptación muy decente... aun así, los libros siempre mucho mejor). Inferno Pero la sensación al salir del cine tras ver Inferno fue de una creciente decepción... la primera hora creo que no esta mal, yo cambiaría alguna cosa a la hora de contar la historia, pero es bastante fiel al libro y te atrapa rápidamente. El caso es que llega un punto en el que todo se desmorona, en el que las cosas pasan demasiado rápido, sin muchas explicaciones y ni siquiera se disfruta del maravilloso paisaje... la película empezó a parecerme desconcertante y a dejarme un sabor de boca agridulce. Inferno Y entonces llegó el final... y ahí las esperanzas de poder salvar la película se fueron al traste. Salí tan desconcertado que pensé que mi memoria me estaba jugando una mala pasada y al llegar a casa cogí el libro y me puse a revisar algunas cosas... y no, mi memoria no me estaba engañando, era la película la que había fantaseado demasiado. Inferno
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Siete deseos

Fantasía Suspense Terror
5.6

Clare Shannon (Joey King), de 17 años, sobrevive como puede al infierno que es el instituto, junto a sus amigas Meredith (Sydney Park) y June (Shannon Purser). Cuando su padre (Ryan Phillippe) le regala una vieja caja de música con una inscripción que promete conceder los deseos de su dueño, ella piensa que no tiene nada que perder. Clare pide su primer deseo y, por sorpresa, se hace realidad. En poco tiempo lo tiene todo: dinero, popularidad y el chico de sus sueños. Todo parece perfecto hasta que las personas más cercanas a ella empiezan a morir de manera espantosa y retorcida. Ahora, con sangre en sus manos, Clare se tiene que deshacer de la caja, antes de que le cueste su vida y la de sus seres más queridos. Siete deseos Critica El director de la más que digna ‘Annabelle’, el spin off de ‘El conjuro’, y que dirigió una película más posteriormente, presenta su nueva producción, que una película de terror dirigida totalmente a un público adolescente, muy en la línea de la saga de ‘Final Destination’. Tras vivir una traumática experiencia siendo niña a causa de la trágica muerte de su madre, Clare (Joey King), tiene ahora 17 años, cursa la preparatoria y junto a dos amigas son las chicas impopulares de la clase y típicas víctimas de bullying, enamorada de un compañero que nunca voltea a verla. Pero todo en su vida cambiará cuando su padre le regala una misteriosa caja musical china que se ha encontrado, que es capaz de concederle siete deseos, pero Clare no reparará en el precio que deberá pagar por ellos. Ligera en su tono, bien narrada, por momentos predecible, pero con cierto encanto, ‘7 deseos’ parece ser un buen inicio para una nueva saga adolescente, muy cercana en sus formas a ‘Destino final’, donde también el humor y las imaginativas muertes se vuelven un deleite para quien mira. La película no acumula sustos, pero a cambio presenta una historia bien contada, con un verosímil que consigue sostenerse, mucho gracias a la buena elección del casting que brinda interpretaciones acordes al tono del filme y a la ingeniosa manera de resolver sus escenas clave. Para espectadores que disfruten del terror adolescente, películas ligeras como ésta es una buena elección, que seguramente no defraudará a quien la elija. Siete deseos

El violín de mi padre

Drama Musica
8.9

A través de su dolor compartido y conexión con la música, una niña huérfana se une a su tío violinista exitoso y emocionalmente distante....El violín de mi padre Critica: una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia....... El violín de mi padre

De canción en canción

Drama Romance
5.3

Dos triángulos amorosos interrelacionados, la de las parejas formadas por los compositores Faye (Rooney Mara) y BV (Ryan Gosling), y la del productor musical Cook (Michael Fassbender) y su novia camarera (Natalie Portman), persiguiendo todos el éxito mientras tropiezan con la obsesión y la traición en el mundo de la escena musical de Austin, Texas. Song to Song De canción Critica: Nueva película de Malick donde una vez más vemos los mismos personajes existenciales, mismos conflictos internos, misma estructura, mismas voces en off (que funcionarían de igual forma en sus dos anteriores películas), misma fotografía (la más floja a mi gusto de todas sus películas) y mismas bellezas femeninas. Lo único que cambia es el entorno en donde se mueven estos desvalidos personajes, en una eterna búsqueda de su yo fragmentado en medio de un País ideal, donde nada los satisface. De canción Desde ese punto de vista, creo que esta película logra el cierre más satisfactorio de la tres. Que a diferencia de "To the Wonder y Knight of Cups, en ellas daba la sensación que podrían estirarse eternamente (lamentablemente sin aburrirme). Pero quería tocar un punto, que no sé si es porque uno ya se ha acostumbrado e interiorizado la propuesta de Malick, pero en Song to Song me dio la sensación que en Rooney Mara se hace (por momentos) totalmente explícita la "vanguardista" dirección de Malick. Simplemente la mayoría del tiempo no logré conectar con su personaje, daba la impresión que ni siquiera ella sabía lo que estaba haciendo, incluso en ocaciones miraba a la cámara y sonría fuera de su personaje. Comparto el análisis de un crítico donde comenta la ausencia de Malick en el set (debido a su manera de dirigir casi fantasmal a través de una radio) y siento que esto influye completamente en el corazón de algunas escenas que prácticamente no expresan nada, están Vacías. De canción Por último recalcar algo que también me llamó la atención y es que la fotografía en esta película bajó considerablemente su nivel. No se a que se haya debido (¿pereza de Malick?) pero los encuadres y el aumento del gran angular muchas veces hacían ver la película con una calidad de GoPro utilizada por un estudiante de Cine. De canción

Cut Bank

Suspense
5.8

Dwayne McClaren, un mecánico que fue un gran atleta en el instituto, sueña con irse de Cut Bank (Montana), la ciudad más fría de los Estados Unidos, y mudarse a la gran ciudad con su novia Cassandra, que quiere ser modelo. Pero tendrá que aplazar sus planes al verse involucrado en una investigación policial dirigida por el Sheriff Vogel, que es para Dwayne lo más parecido a un padre. Cut Bank Critica: Nada de lo que vemos en Cut Bank sorprende por su originalidad, pero sí por su poder evocador. Pues enseguida se hace evidente que el escenario que Matt Shakman nos presenta es exactamente el requerido para desarrollar su tesis. Vaya por delante, esta es una película en toda regla autoconsciente… pero ello no conlleva necesariamente gratuidad o exhibicionismo: tanto la planificación como la dirección de actores se hacen evidentes, incluso podría decirse que algo pretenciosos; pero siempre están al servicio de las exigencias del guión. Exigencias tales como un pulso firme o (sobre todo) plena conciencia del tipo de película que se está haciendo. Probablemente la referencia que con menos esfuerzo nos venga a la cabeza tras visionar Cut Bank sea Fargo. En realidad existen toda una serie de ejemplos que, tal vez de una forma menos evidente pero igualmente significativa, recuerdan considerablemente a la película que nos ocupa. Empezando por el mencionado, son dos los rasgos que el trabajo de Shakman comparte con el de los Coen. El primero es la textura agria y distante, esta frialdad que tan buen resultado da en las escenas de violencia explícita. El segundo, que ya casi asociamos instintivamente al primero, pertenece al terreno de la narrativa: en ambos casos hablamos de este tipo de película que nos expone cómo un plan “sencillo” puede desatar el caos. Cut Bank Pero como entredije, bajo esta primera capa se esconden toda una serie de similitudes con otros trabajos, entre ellos Perros de paja (Sam Peckinpah, 1971), La noche de los girasoles (Jorge Sánchez-Cabezudo, 2006), Un plan sencillo (Sam Raimi, 1998) e incluso (tal vez la similitud más interesante) la aclamada serie de David Lynch Twin Peaks (David Lynch y Mark Frost, 1990). La característica básica que comparten entre sí dichos ejemplos es que todos retratan los pequeños micromundos que (supuestamente) se forman en los pueblos de interior. Y centrándonos en los primeros tres casos, destaca el hecho de aunar con ello la mencionada historia del plan sencillo que deriva en el caos. Cut Bank

Jaque al asesino

Suspense
5.4

Un hombre se despierta en el hospital sin recordar quién es y descubre que la policía le busca por cometer una serie de asesinatos. Jaque al asesino Critica La verdad, sería para analizar qué está pasando con la carrera de Jonathan Rhys-Meyers. Por alguna razón, al actor irlandés le está costando Dios y ayuda encontrar proyectos interesantes en el cine. En la televisión se ha manejado mucho mejor, gracias sobre todo a su recordada interpretación de Henry VIII en Los Tudor y más recientemente del obispo Heahmund en Vikingos. Sin embargo, en pantalla grande, el chico al que descubrimos junto a Keira Knightley en Quiero ser como Beckham dando patadas a un balón de fútbol cae continuamente en naderías, bodrios varios y cintas que no están a la altura del talento que él ha demostrado tener. Jaque al asesino, o Awake (de ahí el título de este comentario), es otra prueba más. De una premisa que podría haber sido interesante (un hombre sin memoria es acusado de haber cometido un crimen) sale un thriller de lo más anodino. Se puede aguantar porque dura apenas una hora y cuarto, minuto arriba o minuto abajo, pero todo está tan visto y la narración avanza con tanta pereza que no hay nada realmente salvable en ella. Además, sin necesidad de ser cruel o entrar en más detalles, hay que decir y reconocer que Francesca Eastwood no ha heredado el talento de sus progenitores, Frances Fisher y Clint Eastwood. Es modelo, y se nota, pero de actriz no tiene mucho. Bastante pobre resultado final. Jaque al asesino

El vengador del futuro

Acción Aventura Ciencia ficción Suspense
5.9

Rekall es una empresa que puede convertir los sueños en recuerdos reales, haciendo que la frontera entre realidad y memoria se difumine. Para Douglas Quaid (Colin Farrell) la idea de hacer un viaje mental que le proporcione recuerdos de una vida como superespía puede ser la solución perfecta para contrarrestar su frustrante vida. Lo malo es que el proceso sale mal, y Quaid se convierte en un hombre perseguido por los agentes de un estado totalitario. En su huida, se asocia con una combatiente rebelde (Jessica Biel) con el fin de encontrar al cabecilla de la resistencia clandestina (Bill Nighy). Mientras el destino del mundo pende de un hilo, Quaid descubre su verdadera identidad y su verdadero destino. Se inspira en el cuento "Podemos recordar por usted al por mayor" de Philip K. Dick. Total Recall El vengador del futuro Critica: ¿Se imaginan un remake de “E.T., el extraterrestre” sin alienígena y ni un mísero «teléfono, mi casa»? ¿Vería alguien un remake de “Regreso al futuro” sin Delorean? Los responsables de este remake de “Desafío total” se han pasado el planeta rojo por la bandera de Japón que forma el interior del orificio de su culo. Pero, inconsecuentemente (y por marketing), no la titularon con su verdadero nombre: “Desafío rectal”. El remake de Len Wiseman es todo un ‘desafío rectal’ para los espectadores, que podrán comprobar horrorizados lo mismo que pasó en la reciente y también intolerable revisión de “Perros de paja”: a los pezones ya no los dejan ni respirar. Ni siquiera aunque sean tres tetas de látex. ¡Nada! ¡El cine comercial actual norteamericano no quiere pezones femeninos! Al parecer y en su lugar la tendencia es… la estupidez. El vengador del futuro El cambio que se convierte en clara metáfora de este remake es una gota de sudor por una lágrima. Antes, los clásicos populares se ganaban su condición a base de trabajo y secreción, pero ahora se llora por tiempos pasados y el sufrimiento de la profanación de esos pilares. Wiseman únicamente tiene vultuosidad de pose estética (y estática), pura aparatosidad narrativa. Aquí ha pasado por la piedra a Philip K. Dick bajo el precepto y casquillos (y chascarrillos) de “Underworld”. Los efectos visuales no son de uso narrativo sino simplemente estético y de apabullante formalidad para seducir al espectador y justificar su abultado presupuesto. El Douglas Quaid / Hauser que propone Colin Farrell incurre en la parodia: no le han explicado, al parecer, en las escuelas de interpretación que hay una ‘sutil’ diferencia entre querer interpretar a una persona que descubre ser otra y queda obviamente sorprendido… y ser Forrest Gump. El vengador del futuro