Entre la guerra y el amor

6.1
Una mujer de fuerte voluntad abandona Estados Unidos tras conocer a Jude, un médico norteamericano que dirige una remota misión médica en el Imperio Otomano, donde está a punto de estallar la Primera Guerra Mundial. Allí, tendrá que elegir si quiere ser lo que otras personas quieren que sea o seguir siendo ella misma. The Ottoman Lieutenant Entre Critica: Con la pretensión de pasar por una de las grandes historias de amor - díganse "Memorias de África", "El paciente inglés", incluso "La hija de Ryan" o "El doctor Zhivago" de David Lean - que mezclan naturalezas, países exóticos, escenarios sobrecogedores, hechos históricos de gran trascendencia....y los mimbres de un reparto de actores de altura (aquí está el ubicuo Ben Kingsley de "Ghandi"), una banda sonora para marcar época, fotografía, .... todo acaba desarrollándose como un folletín de amor a tres bandas (Michiel Huisman, Hera Hilmar y Josh Hartnett) sin pasión alguna, sin emociones, sin nada - flojita, muy flojita, Hera Hilmar, semi-Heidi florecilla, o el actor que hace el rol del teniente otomano, Michiel Huisman, buen maniquí con el uniforme de militar y el cabello al viento..... pero que no transmite nada -. Hay escenas que pretenden crear esos grandes momentos del cine....digamos, del estilo, del vuelo de Robert Redford y Meryl Streep sobre los paisajes de África con la música de John Barry...y que aquí resultan, no solo chirriantes, sino bastantes ridículos...y no estoy tratando de comparar lo que es incomparable, sino de contar la sensación que produce de que te están dando gato por liebre. Entre Josh Harnett, que es un actor que me gusta bastante, y que parece ser, de entrada, así está planteado su personaje, que va a tener en la película papel destacado en el conflicto amoroso y en la trama, en general, es convertido - al igual que hacen con Ben Kingsley - en un personaje "marmolillo", empotrándolo en alguna escena que otra, por aquí y por allá, se supone que disputando por el amor de Hera Hilmar....o qué sé yo... Entre
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Los dos Papas

Comedia Drama Historia
7.6

Es el año 2012. Frustrado por el rumbo que está tomando la iglesia, el cardenal Bergoglio solicita el permiso del Papa Benedicto para retirarse. Sin embargo, el Papa Benedicto convocará a su crítico y futuro sucesor en Roma. Entre ambos se sucederán extensas charlas para buscar posturas en común. Tras los muros del Vaticano, habrá un profundo debate entre la tradición y el progreso, con el objetivo de forjar un futuro para los millones de fieles católicos de todo el mundo. Además, Benedicto revelará un secreto que sacudiría los cimientos de la iglesia católica, ya que sorprendió al mundo cuando anunció que renunciaba al pontificado de la Iglesia. Esta película que dirige el brasileño Fernando Meirelles es una mirada íntima a un momento histórico clave para la Iglesia católica. Los dos Papas Critica Estamos ante una interpretación magistral de dos actorazos. Deliciosa. Fantasía o realidad?. Ficción: no es cine histórico, obviamente. Ficción muy amable y respetuosa. Y trata de dos genios en la vida real. Que no me extrañaría se relacionen entre sí de ese modo: es mucho lo que llevan entre manos y no creo, en absoluto, que los diferentes acentos y personalidad les lleven al distanciamiento y trato bronco propio de políticos. Y esta es la virtualidad que, en mi opinión, más se destaca en el film: ambos tienen una finalidad idéntica. Aman lo mismo. Y lo aman de verdad. Y por muy diferentes que sean no inciden en su acento propio hasta el punto de distanciarse. Porque saben que lo que está en juego es muy superior a su propia óptica... y la trasciende. Y que serían unos canallas si por soberbia se pudiera romper el jarro. Deliciosos los diálogos de madurez -senectud- de ambos intérpretes. Deliciosa la sabiduría que emana de uno y otro. Y delicioso el recurso a la fina ironía, todo un recurso y quizá el más apropiado, para solventar lo que podría haber sido un auténtico choque de trenes. Y los tristes: a lo de siempre. Te dicen: oportunidad perdida para señalar a la Iglesia por los casos de pederastia!!! Simplemente no se dan cuenta de que, incluso para los no católicos, existe la saturación. Ánimo: disfrutad de algo amable y de una interpretación asombrosa, que merece la pena. Los dos Papas

Bailando la vida

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A punto de retirarse, una mujer de la clase media descubre que su marido ha estado teniendo una aventura con su mejor amiga, y por ello decide irse con su hermana bohemia, que vive en una zona empobrecida. Bailando la vida Critica Calificación: 6,5 Bailando la vida nos acerca a la vida de Sandra una mujer refinada y algo altiva. Su marido Mike, un agente recién retirado, acaba de recibir el título de Lord por sus años de servicio en la Policía y por fin ambos van a poder disfrutar de la jubilación en su chalet. Pero su vida se desmorona cuando descubre que Mike la está engañando con su mejor amiga. Así, Sandra se ve obligada a vivir con su alocada hermana Bif en un barrio de los suburbios. A pesar de que ambas son completamente opuestas, Sandra pronto encontrará en el baile, un nexo de unión con su hermana y una nueva forma de ver la vida. La comedia dramática creada por Richard Loncraine hace hincapié en las relaciones dentro de la madurez. En ese momento en el que parece que todo llega a su fin, Bailando la vida invita al espectador a seguir buscando el ritmo, sin importar la edad ni los reveses que se presenten y que pueden hacernos perder los pasos. El gran acierto de Bailando la vida es sin duda su reparto coral, encabezado por Imelda Staunton y Celia Imrie. Las dos actrices componen el alma del film y son capaces desde sus diferentes registros de hacer que esta historia sencilla llegue al espectador. Perfectamente acompañadas por Timothy Spall, este trío de ases es el motor principal de una película que por momentos puede resultar excesivamente predecible en su planteamiento y poco arriesgada El otro punto fuerte de Bailando la vida, que hará las delicias de quienes vayan a verla, es su humor. Chistes muy sutiles que recuerdan a otras comedias inglesas de éxito y que amenizan y suavizan los momentos de tensión del film. La fotografía, firmada por John Pardue apuesta por dos colores fundamentales: gris y dorado. Veremos tonalidades grises y más apagadas en los momentos más dramáticos frente a los tonos dorados que aparecen en los momentos más cómicos. En conjunto, una fotografía con reminiscencias otoñales que recuerda al ocaso y simboliza las dos caras de la madurez. La otra cara de la moneda la firma un guion que se torna en algunos momentos lento y predecible. Este ritmo descompasado lo salvan las grandes interpretaciones del dúo Staunton-Imrie. No obstante, la película está correctamente salpicada por escenas cargadas de emoción y risas, invitándonos a no abandonar la historia pese a aventurar cuál es el final. Como si fuera una coreografía de un mashup, Bailando la vida combina momentos de absoluta genialidad con un mensaje cargado de esperanza. Richard Loncraine nos presenta un viaje hacia la senectud en el que el baile ayuda a los protagonistas a que no pierdan el ritmo. A pesar de que su mensaje solo conecte con un público más adulto y de no ser especialmente ambiciosa en sus pretensiones, conquistará a los amantes de la comedia inglesa. Bailando la vida

Presagio

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Durante la inauguración de un nuevo colegio, los estudiantes guardan en una cápsula del tiempo varios objetos. Lucinda, una de las niñas, guarda un papel en el que ha escrito extraños números. Cincuenta años después, la cápsula del tiempo es desenterrada, el hijo de un profesor de astronomía viudo, recibe la misteriosa nota de Lucinda. John descubrirá enseguida que esos números esconden predicciones escalofriantes, algunas de las cuales ya han sucedido mientras que otras aún no. Knowing Presagio Critica: Pocas veces he asistido en un cine a una mezcla de tantos géneros como con ésta película. La cinta comienza con altas dosis de misterio con el ritmo propio del thriller sobrenatural para ir evolucionando hacia el terror, la ciencia ficción, la acción y el cine de catástrofes. Pero lo mejor de todo es que esta extraña mezcla no desentona en ningún momento y el director consigue mantener las riendas de la historia. He aquí el gran acierto de "Señales del futuro" y no es otro que contar con el buen hacer de Alex Proyas, un director con una puesta en escena impecable, fántastico creador de atmósferas especialmente oscuras. Presagio La primera parte de la película logra mantener un nivel de suspense verdaderamente notable. Pronto aparecen elementos de terror que se irán dosificando a lo largo del resto del metraje y que, sin hacer uso de alardes ni de recursos fáciles, logran realmente inquietar al espectador. Por otro lado, en toda la película hay dos escenas de acción con lugares comunes con el género de catátrofes realmente conseguidas y tremendamente realistas. Son sólo dos escenas pero bastan para dinamizar la trama y conseguir impactar por su crudeza. La primera de ellas está rodada mediante el uso de uno de los mejores planos secuencia de los últimos años y la segunda, centrada en el metro de Nueva York, se resuelve de una manera que consiguió sorprenderme verdaderamente. Presagio Sólo hacia el final de la película es cuando se ponen de relieve los elementos de ciencia ficción de la misma. Y aquí entra el discutido final que tiene la historia. Algunos dirán que demasiado previsible y muchos muchos otros opinarán que es un final facilón carente de imaginación, constreñido en cierta manera por las imposicones de la productora (hay que recordar que Proyas es también el productor) A mí me convenció porque es un final duro y Presagio

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Que para cada persona haya un alma gemela es una teoría muy romántica pero quizás poco científica, y para Luca y Sara la tentación de probarla es fuerte. Pero sobre todo, ¿cómo se hace esta alma gemela? ¿Se parece a nosotros o es nuestro contrario? Es así como, casi como un desafío, los dos invitan a cenar a cuatro amigos que, casualmente, están solteros: Chiara, Matteo, Giulia y Dario. ¿Quién se enamorará de quién?...4 mitades Critica: una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia..... 4 mitades

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Juan (Mario Casas), preso en tercer grado y padre de familia, logra un permiso para asistir a la comunión de su hija en Sevilla. Pero la muerte accidental de la niña destapa todo un entramado de corrupción policial y narcotráfico, y el caso acaba en manos de Eli, una inspectora que tendrá que lidiar con los recelos de un sector de la policía y del padre de la pequeña, que quiere tomarse la justicia por su cuenta...Adiós Critica: Cuando a Paco le pusieron su nombre a toda gloria en el capítulo final de Penny Dreadful me consta que hubo más de un brote de envidia torera, malamente transpuesto en ojeriza epidérmica. Miedo me da que con "Adios" se le salten las costuras a más de uno. Así que reclamo mis diez segundos de gloria y sólo voy a pediros que la veáis. Ved "Adios". Y, si queréis, luego discutimos sobre ella (que también puedo admitirle un par de pegas). Pero tenéis que verla porque es un trabajo en el que se han roto las costuras todos y por su orden. Se han roto las de Paco Cabezas, porque hay que tenerlos muy bien puestos para salir de la zona de confort y partirse la cara por una idea, por una tierra, por una madre, por unos actores. Las de Mario Casas, porque podría vivir como un remedo de sí mismo al rebufo de un barco y una moto, y sin embargo se mata por su niña Estrella, como se mató por Mauthausen. Y cuando abraza a su madre, nos abrazamos todos a la nuestra, aunque ya no esté, aunque no nos guste... De las de Natalia de Molina no hay dudas sobre su capacidad para reventarlas, pero me quedo con ese tamborileo de uñas de pega en un hule que tiene más verdad que todo el cine de corta y pega. Y se le han roto las costuras a Carlos Bardem, a Mona, a Vicente... Vedla, porque a mí, que el flamenco me deja fría, se me ha quedado carne de palmas y hoguera, y a mi, que no soy dada a la elegía, se me han roto las costuras de orgullo. Vedla porque el cine de Paco se ha hecho mayor. Y eso, de verdad, no hay que perdérselo.... Adiós

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Kurt Barnert es un joven estudiante de arte en la Alemania del Este. Está enamorado de su compañera de clase, Ellie. El padre de ella, el Professor Seeband, un famoso médico, no aprueba la relación de su hija y está decidido a destruirla. Lo que ninguno de ellos sabe es que sus vidas están conectadas por un terrible crimen cometido hace décadas.....La sombra del pasado Critica: Puntuación: 6,5 Aunque Florian Henckel von Donnersmarck se saca la espinita clavada de su mala experiencia en Estados Unidos con su anterior trabajo, The Tourist (2010), La Sombra del Pasado parece demasiado desequilibrada, tanto en la ejecución como en el contenido, y queda lejos de estar a la altura de La Vida de los Otros (2006) Inclusive este desequilibrio se percibe dentro de las propias escenas. Un ejemplo lo tenemos cuando el pequeño Kurt se despierta por la noche debido al ensordecedor ruido de los aviones que sobrevuelan los cielos de Dresde en febrero de 1945. Miles de trozos de papeles plateados caen del cielo, una forma de incomunicar radios y radares. La belleza de esa imagen en combinación con los bombardeos de la ciudad que transformó la magnífica ciudad del valle Elba en un mar desolado de escombros y cenizas, es abrumadora con lo que viene a continuación. De repente, esa fuerza y belleza visual desaparece ante nuestros ojos. Florian Henckel von Donnersmarck da paso a las imágenes de Elisabeth conducida a la cámara de gas junto con otros “enfermos mentales y degenerados”. Las imágenes de la cámara de gas son clichés innecesarios y que no aportan nada. Un recurso fácil para apropiarse de las emociones de la audiencia. La sutileza brilla por su ausencia.....La sombra del pasado