Diario de una chica adolescente

6.7
San Francisco, años 70. Minnie Goetze es una chica de 15 años que aspira a ser artista de cómics. Con una insaciable curiosidad por el mundo que le rodea, es una adolescente bastante típica; el problema es que se acuesta con el novio de su madre. The Diary of a Teenage Girl Diario Critica: Me alegro muchísimo de haberla encontrado, aún no salgo de mi sorpresa con la estética de la película. Pero no sólo de estética y fotografía viven las viejas glorias cinematográficas, y es que la historia (basada en una novela gráfica) es auténtica y subversiva, y los personajes: tienen entrañas. Diario La historia me recuerda a "Lolita" de Nabokov en versión light años 70. Todo transcurre en el San Francisco hippie y contracultural, lleno de drogas, antros y espíritus libres que se dedican a consumir todas esas drogas en todos esos antros, donde además hay sexo, mucho sexo. En esa coyuntura situamos a Minnie, la adolescente con el diario, que acaba de perder su virginidad con el novio de su madre: Monroe. Y toda la historia gira en torno a esa relación "tormentosa". Pero sobre todo vemos como Minnie se adentra en este nuevo mundo con pies inseguros pero llena de curiosidad y con ganas de seguir pasándoselo bien, esta descubriendo el poder que tiene sobre los hombres. Diario Lo genial de esta película, a mi entender, reside en los pequeños detalles que dotan a los personajes de vida y personalidad. Te puedes identificar con ellos y con sus sentimientos. Esos pequeños detalles como el trasfondo cultural que, de verdad, esta latente en todo el film, como la conexión entre los personajes y el aura que los rodea y define. No hay muchos personajes, pero los que hay están bien construidos. Diario Otro punto clave, para mi, es la energía creativa que irradia Minnie y, por supuesto, la directora. La protagonista quiere ser dibujante de comics, se pasa la película creando pequeños monstruos y divinas caricaturas de ella misma. Además, Minnie admira a la autora Aline Kominsky a la que escribe y narra la historia. En esos momentos de narración es cuando la directora en su infinita sabiduría, nos regala mezclas de fotografía con grafismo e ilustraciones setenteras. Diario
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Una oración antes del amanecer

Acción Crimen Drama
6.8

Basada en la experiencia vivida por el británico Billy Moore, que sobrevivió a una dura experiencia en una cárcel en Tailandia convirtiéndose dentro en boxeador. A Prayer Before Dawn Una oración Critica: Habrá que hacer algún día un análisis sobre la filmografía de Jean-Stéphane Sauvaire, y su necesidad de imbuirse en violencia, no es de extrañarse el título del proyecto en el que actualmente trabaja “Adicto a la violencia”. violencia como causa y resultado de exclusión reflejada en el daño a la condición humana, violencia gráfica, violencia cruda y violencia poética. En el 2000 con su cortometraje “La mula” acerca del contrabando de drogas, “Carlitos Medellin” en el 2004, un documental sobre un niño inmerso en la guerrilla colombiana, “¡Mátalo!” cortometraje del 2005 grabado en las calles de la ciudad de México, “Johnny Mad Dog” en el 2008, un drama bélico protagonizado por un grupo de chicos entre los 13 y 15 años que armados van por su ciudad en África asesinando, saqueando y violando mujeres, “Punk” en el 2012, y finalmente A Prayer Before Dawn. Una oración Estrenada en el Festival de Cannes en su función de media noche, A Prayer Before Dawn se enfoca en mostrar la vida de Billy ya dentro de una de las prisiones más brutales del mundo, la Prisión Central de Bang Kwang, en Tailandia (comparada con la prisión de Diyarbakir en Turquía, El Campo de concentración de Hoeryong en Corea del Norte o la prisión de Petak en Rusia). Dejando pasar por alto la historia de un joven Billy golpeado por su padre, delincuente y adicto, prisionero previamente en 22 cárceles del Reino Unido, y la razón por la cual se encontraba en Tailandia; pero, curiosamente, no hace falta todo ello para familiarizarnos con él desde el momento en que salta al ring bajo los efectos de la heroína y, al poco rato, es encarcelado. Es precisamente el enfoque al que Sauvaire acude, de angustia y confusión. No se detiene para explicarnos nada, construye su personaje sobre la marcha. Logrando mantener al espectador aturdido y desorientado, de la mano de Billy en un país que le mira como extranjero (y lo que conlleva) y con un idioma que no entiende (omitiendo el uso de subtítulos en la mayoría de los diálogos tailandeses), dejando a este violento hombre solo en medio de un lugar aún más violento, en donde los presos duermen hacinados entre cadáveres, y la corrupción y extorsión son cosa del día, así mismo la posibilidad en que un simple viaje al mingitorio culmine en una violación grupal. ¿El alivio para la autodestructiva vida y mente de Billy? Los brazos y labios de un transexual y la disciplina del Muay Thai y el boxeo. Una oración

Todos hablan de Jamie

Comedia Drama Musica
6.7

Jamie New tiene 16 años y no encaja del todo, en lugar de seguir una carrera "real", sueña con convertirse en drag queen. No muy convencido sobre su futuro, Jamie sabe una cosa con certeza: será una sensación. Con el apoyo de su madre y sus amigos, Jamie supera los prejuicios, y el bullying y sale de la oscuridad para convertirse en el centro de atención....Todos hablan de Jamie Critica: "Todos hablan de Jamie" es una película bastante sincera, real y actual; por eso la pueden apreciar cualquier generación de cualquier edad. En esta película habla de frustraciones, miedos, homofobia, rechazo social y como no, de los sueños de Jamie. En el inicio del film, la profesora pregunta a sus alumnos, que a qué quieren dedicarse, Jamie lo tiene muy claro, ser drag queen, sin dejar de ser un hombre, poder ser mujer cuando él quiera. Estos anhelos de Jamie, recibirán el beneplácito de su madre y su mejor amiga; pero sobre recibirá también los contratiempos y negativas de compañeros de clase, entorno familiar y vecinal, etc... pero en lo que no desiste Jamie es en luchar por sus sueños. Película muy bien rodada, con bonitos números musicales, y una banda sonora exquisita, con letras profundas y cautivadoras que harán vibrar cada escena musical. Es dificil que un musical LGTBI sea aceptado por el gran público sin prejuicios, pero "Todos hablan de Jamie" merece la pena ser visionada, sin reparos, simplemente dejándote llevar por los sueños de su protagonista, te hace empatizar con su deseo de ser simplemente feliz tal y como es o como quisiera ser. Las interpretaciones son geniales, a destacar la aparición de Richard E. Grant que hace un papel secundario magnífico. Es un cóctel de buenas intenciones, buen guión, buenas interpretaciones, buenos números musicales, en general una muy buena película que no debería pasar desapercibida por el gran público, ya sin la necesidad de que sea exclusiva para la audiencia homosexual.... Todos hablan de Jamie

La estafa de los Logan

Acción Comedia Crimen Drama
6.7

Jimmy está desempleado, divorciado y no tiene un duro, Clyde perdió un brazo en la guerra de Irak y ahora trabaja de camarero en un antro, y Mellie es una peluquera obsesionada con los coches, los tres son hermanos y están empeñados en burlar una supuesta maldición familiar. Para ello van a robar la cámara acorazada del circuito de carreras Charlotte Motor Speedway, durante la celebración de la carrera Coca-Cola 600 en Carolina del Norte. Para poder llevar a cabo el plan necesitarán a un experto en demoliciones, Joe Bang. El único pequeño inconveniente es que está en la cárcel. Logan Lucky Logan Critica: Desconozco si es porque ya van 20 años de la muerte de John Denver o si es que los astros cinematográficos se han alineado, pero tras Alien:Covenant y Kingsman: El círculo de oro ahora le toca a Logan Lucky o La suerte de los Logan el que el tema "Take Me Home, Country Roads" aparezca como un tema recurrente un tanto substancial en una película. Logan No sé si Soderbergh pretende homenajear a la trilogía Ocean´s -con una nueva entrega protagonizanda por mujeres asomando la patita cerca- o si viendo que no se quiere retirar del cine pese a que siempre suela decirlo, intenta recrear una nueva saga de robos protagonizada por personajes peculiares bajo su dirección particular (repleta de apariciones estelares que adornan más que encarnan sus personajes de forma desarrollada). Si no supiéramos nada de Clooney y los suyos, supongo que vería con mejores ojos a la cuadrilla de Tatum y cia. Las comparaciones son odiosas, pero reconozcamos varios paralelismos ya clichés del género (cómo el plan corre riesgos, cómo se recluta a la gente, las sorpresas del final, etc.). Y para acabar: Daniel Craig. No es porque sea Daniel Craig, es porque su personaje sencillamente me ha parecido el mejor, el más divertido -el momento de los ositos de goma-, el de mayor carisma y de los mejor interpretados. Tras la cagada de Spectre y una trayectoria irregular, ya era hora de volver a ver un Craig que mereciese la pena fuera de la saga Bond. Aunque muy seguramente no gozará del éxito que goza encarnando al doble cero. Logan

Pequeña gran vida

Ciencia ficción Comedia Drama
5.2

Esta es la historia de un hombre de Omaha, que se une a un grupo de personas que están experimentando con una nueva idea, la de reducir su tamaño para moverse a las pequeñas comunidades que se están creando en todo el mundo. Pequeña gran vida Critica: Hacía cuatro años que no sabíamos nada de Payne y en cierto modo se le echaba de menos. Su capacidad para tomar una idea interesante y desarrollarla con bastante pulso le ha llevado a lograr nominaciones y premios. Ahora intenta repetir el mismo esquema con “Una vida a lo grande” pero dando la sensación de no haber sido tan preciso. Porque la película parte de una interesante idea, esa de empequeñecer a la población con el pretexto de ser útiles para el planeta que habitan. Ahí va uno de los varios temas que Payne aborda para encontrar soluciones. El medio ambiente y su descuido por parte del ser humano es un claro ejemplo de lo reivindicativa que pretende ser, pero no es el único caso. Salvar el planeta de todos sus males actuales es la excusa para crear una sociedad minúscula. El director utiliza la ciencia ficción de su propuesta para formular ideas e ir soltándolas según avanza, consiguiendo que su original inicio se convierta en un batiburrillo que no termina de centrarse. Su primera hora de metraje es refrescante, ácida y original. La película presenta la idea como necesaria pero también como opcional, creando disyuntivas entre grandes y pequeños y dejando la puerta entreabierta a la posible diferencia de derechos entre unos y otros. El creativo modo de empequeñecer es gracioso y lleva al espectador hasta la mitad con una sonrisa. Sin embargo su segunda mitad se vuelve irregular en cuanto el guion se vuelve previsible y la acidez mostrada hasta entonces se torna en rutinaria. Su crítica continúa haciendo efecto, pero algunas decisiones como esa historia romántica de Damon y la estupenda Hong Chau que poco o nada aporta no hacen más que difuminar el discurso. Al final “Una vida a lo grande” resulta interesante, por momentos inteligente y muy crítica con el ser humano como individuo y como una sociedad que huye hacia adelante buscando el beneficio propio inmediato hasta que encuentre una solución real a sus problemas globales.

Propuesta de año bisiesto

Comedia Romance
6.7

Una joven enamorada (Amy Adams) va a Dublín para pedirle a su novio que se case con ella. Lo hará siguiendo una tradición irlandesa, según la cual solo un día cada cuatro años -el 29 de febrero- una mujer puede proponer matrimonio a su novio con la certeza de que no será rechazada. Sin embargo, durante el viaje, una circunstancia imprevista la obligará a pedir ayuda a un rudo mesonero irlandés con el que tendrá que caminar campo a través si quiere llegar a tiempo para hacer su propuesta de matrimonio. Leap Year Propuesta de año bisiesto Critica: Estoy hasta el gorro. 'Leap Year' no se baja del carro en cuanto a tópicos en esta clase de películas. Tanto el desarrollo de la historia como el carácter de los personajes es lo mismo de siempre, es decir: chica guapa que no soporta a chico guapo pero que al final comen perdices al descubrir que son el amor de su vida, dejando tras de sí un halo cursi vomitivo enmarcado dentro de paisajes de postal imposibles. Pero para comentar lo que ha dado de sí el filme, remontémonos al principio. Propuesta La historia es ridícula a más no poder: Amy Adams, una chica de Boston que trabaja de interiorista de pisos, coge un avión a Dublín para pedirle matrimonio a su novio (de trabajo allí) en vista de que éste aún no se ha lanzado con dicho paso. Lo ridículo viene cuando pretenderá pedirle la mano un 29 de Febrero, ya que según la tradición irlandesa, él le dirá que sí y vivirán felices hasta el resto de sus días. Una vez en Irlanda, aunque lejos de la capital por circunstancias del destino, conocerá al típico chico perfecto: guapo, educado, sincero, responsable... vamos, una joya de tío. Como suele pasar en este tipo de comedias románticas, al principio se llevarán peor que Pepa y Avelino pero se enamorarán poco a poco ya que, por las mismas coincidencias ridículas de siempre, tendrán que pasar un tiempo determinado juntos a la fuerza. Con esta premisa entre manos, requetesabida de pe a pa, es lógico que desconfiemos pronto de la película. Propuesta 'Leap Year' está clasificada como comedia romántica, pero lo cierto es que la comedia brilla por su ausencia y en ocasiones tanto romance venido de golpe indigesta de algodón de azúcar al espectador. El guión transcurre sin sobresaltos y con una evidencia en la trama difícil de superar. Sabiendo que ya todo está perdido, toca agarrarse a un clavo ardiendo cada vez que aparece en pantalla Amy Adams. Primero por su tacto delicado y su incuestionable hermosura, y segundo porque se ve que sus dos nominaciones a los Oscar ('Junebug' y 'Doubt') han estado más que justificadas. Propuesta

El páramo

Drama Misterio Suspense Terror
6

Una familia que vive aislada de la civilización en un paraje desértico es acosada por una misteriosa bestia. El páramo Crotoca: *Asfixiante atmósfera El Páramo nos traslada al siglo XIX en España, lugar de guerras y peligros, siendo esta la principal razón por la cual se encierra al espectador en un rural hogar de madera junto a Lucía, Salvador y su hijo Diego. Desde el inicio el director catalán va configurando un ambiente tenso y plantando con cuidado los antecedentes que le servirán más adelante. El resultado es una asfixiante y magnética atmósfera que perdura hasta el final de la cinta sin permitir al espectador abstraerse de la historia. El dúo interpretativo está protagonizado por Inma Cuesta y un prometedor Asier Flores que conectan con el espectador para después guiarle por una historia de madurez y terror psicológico. A esta historia se le suma Roberto Álamo que, a pesar de una menor presencia en escena consigue implantar fuertemente su lugar, y sus dos breves monólogos consiguen hacerle revivir al espectador los fantasmas del pasado de su personaje gracias a una mirada cristalina inundada por el miedo. La dirección de actores realiza un gran trabajo y esto se nota en el resultado de la cinta. *Un competente guion El mayor peligro para El Páramo es su única localización, lo que puede hacer que el guion y las acciones caigan en una aburrida rutina. Sin embargo, gracias a un perspicaz guion que inteligentemente aprovecha los antecedentes para impulsar la acción el problema se esquiva hasta aproximarse el tercer acto, donde la historia tropieza levemente con su propio escalón. Asimismo, en esta historia sobre la madurez se dejan ver algunos errores propios de los posibles comienzos, como las narraciones en voz alta de los pensamientos de los personajes. Aunque como herramienta es útil, es una manera pobre y poco original que nada a contracorriente de lo que propone esta especial historia. Sin embargo, a pesar de ello sigue siendo una buena historia sobre cómo el peligro siempre puede acechar, aunque sea a partir de nuestra propia mente. El foco de atención se pone excelentemente bien en el viaje personal de madurez de Diego, quien ante la ausencia de su padre y el peligroso desgaste psicológico de su madre deberá hacer frente a miedos, y lo más importante, la comprensión de la situación que está viviendo. *El comienzo de un estilo directo atractivo David Casademunt consigue mostrar con El Páramo un estilo directivo aún por definir, pero que ya deja ver rasgos personales y distintivos que, lamentablemente chocan en esta ocasión con un a veces cliché uso de la música en las películas de terror. La composición musical para la película es elegantemente funcional a la hora de potenciar y narrar en algunas escenas. Sin embargo, a veces cae en el sobre exceso, y potencia por falta de confianza en la atmósfera generada escenas de terror que funcionaban perfectamente. Los golpes de música aunque no sean demasiado recurrentes se sienten demasiados convencionales para una original propuesta como es esta. Por otro lado, tenemos una gran hiperrealista fotografía que no se queda atrás en el relato creado. La iluminación es el elemento principal de la escena dando vida a elementos inertes y alterando las dimensiones del espacio de manera excepcional. Los ricos contraluces funcionan eficazmente, y la cálida, aunque a veces pálida paleta interior se contrapone con unas aterradoras escenas exteriores frías y nocturnas que dejan al espectador conteniendo la respiración a la vez que se sucede la acción. En conclusión, la fotografía de Isaac Vila es brillante y decisiva para la creación de una atmósfera que te sumerge de lleno. *Inma Cuesta y Asier Flores Deteniéndome algo más en el trabajo interpretativo realizado, Inma Cuesta y Asier Flores logran unos resultados magníficos. Por un lado, Inma Cuesta deja sin habla con una interpretación sólida que progresivamente va mostrando un desgaste físico y psicológico de una mente atormentada que acaba siendo azotada por la enfermedad. Por otro lado, Asier Flores tan pequeño, pero tan grande a la vez, ofrece una interpretación firme y con una gran evolución. Comienza siendo un pequeño niño débil y con gran amor que es demasiado curioso, a un gran niño capaz de cuidar y velar con responsables acciones por el bien de su familia. Además, acaba demostrando una gran capacidad para abordar los problemas que se le presentan, siendo tan solo un niño, que, al fin y al cabo, ha sido obligado a madurar. No todos los héroes llevan capa. *Conclusión El Páramo es una buena ópera prima en solitario del director David Casademunt que consigue consolidar una sólida historia utilizando el terror psicológico para presentar su relato sobre la madurez con un guion inteligente y bien escrito. Si bien, es una película que aún contiene imperfecciones, pero de eso se tratan los comienzos. David Casademunt consigue con esta distintiva historia colocarse en el punto de mira, y creo que hablo por muchos diciendo que estamos deseosos de ver su proceso de maduración.