Lupin

8.1
Inspirado por las aventuras de Arsène Lupin, el ladrón de guante blanco Assane Diop se propone vengar la injusticia sufrida por su padre a manos de una familia rica....Lupin Critica: Netflix arranca el 2021 con una reinterpretación moderna, y muy libre, del “ladrón de guante blanco” más famoso de la literatura francesa, Arsène Lupin. Más de un siglo después de la publicación de su primera aventura y tras varias adaptaciones, esta serie made in France retoma el mito literario para adaptarlo a nuestro tiempo. Así, llaman la atención los múltiples paralelismos entre el célebre personaje francés y la figura de Sherlock Holmes (creada menos de 20 años antes): además de su hábil uso de la observación, sus vestimentas icónicas y su proyección internacional (mayor en el caso de Holmes), ambos nacieron como protagonistas de relatos breves en revistas mensuales, su fama ha superado con creces a la de sus creadores y ambos han sido adaptados y reinterpretados en innumerables ocasiones…hasta el punto de estar el caballero ladrón francés siguiendo de nuevo los pasos del detective británico, con una serie que nuevamente adapta sus aventuras al siglo XXI, como ya lo hiciera la serie Sherlock hace unos años. Eso sí, el protagonista de esta serie no es el personaje imaginado por Leblanc en 1905 sino Assane Diop, un admirador de Arsène Lupin marcado (como su héroe literario) por la pérdida de un ser querido a edad temprana. De ascendencia senegalesa, separado, padre de un hijo e inmerso en una situación profesional aparentemente inestable, la serie arranca con un Assane recién contratado como limpiador en el Louvre decidido, eso sí, a tratar de cambiar su suerte con el robo de un precioso collar, siguiendo claramente los pasos de su héroe literario. Sin embargo, las apariencias esconden más de lo que parece y rápidamente entendemos que Assane se inspira de los métodos y astucias del dandy literario para mucho más que un simple robo, tal y como los flashbacks al pasado nos hacen intuir desde muy pronto.....Lupin
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Vanguard

Acción Aventura Crimen
7.4

La compañía de seguridad encubierta Vanguard es la última esperanza de supervivencia para un contador después de ser blanco de la organización mercenaria más mortífera del mundo....Vanguard Critica: esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.....Vanguard

Hablando con él

Drama
7.2

Narra la inspiradora y poderosa historial real de Rachel Joy Scott, la primera estudiante asesinada en el tiroteo ocurrido en el instituto Columbine en 1999. I'm Not Ashamed Hablando Critica: Terminando de ver “I'm Not Ashamed” (2016) de Brian Baugh con Masey McLain, Sadie Robertson, Ben Davies, Korie Robertson, Cameron McKendry, Terri Minton, Victoria Staley, Jennifer O'Neill, entre otros. Drama basado en los diarios de Rachel Joy Scott, de 17 años, que fue la primera víctima de La Masacre de La Escuela Secundaria de Columbine, en 1999, que cobró la vida de 12 estudiantes y un profesor, en uno de los tiroteos más mortales de la historia de los EEUU. El diario como la película, está lleno de sus pensamientos y experiencias de vida durante sus últimos 16 meses, a menudo dirigiéndose a Cristo, al tiempo que vemos dibujos de su estado de ánimo; y escuchamos muchos poemas, oraciones y relatos de sus esfuerzos, ofrecimientos de amistad a quienes han sido considerados parias; aquellos sometidos regularmente a burlas debido a dolencias o discapacidades; y otros que conoció fuera de su escuela, que estaban solos o en necesidad. Por tanto, la protagonista se santifica al ofrecer su continuo apoyo a todas estas personas, y de buena gana, se reunió o conversó con ellos, transmitiéndole su continua amistad y apoyo. Hablando Scott es la principal protagonista, y la historia de los jóvenes que cometieron el tiroteo, Eric Harris y Dylan Klebold, está entrelazada con Scott, la cual era una devota cristiana que creía tener la teoría de que, “si una persona puede hacer el esfuerzo de mostrar compasión, entonces ellos comenzarán una cadena similar de acontecimientos” El objetivo del filme como del diario, y ella misma, fue abogar por la creencia en demostrar empatía y compasión como “la mejor forma de amor que los humanos tenemos para ofrecer”; por ello, todo el metraje es casi una historia a caballo entre el catequismo y el vía crucis de su vida, como adolescente que lidia con el amor, la presión de grupo, la obediencia, la imprudencia, la fe, la familia, el alcohol, y las drogas; todo ello hace que la historia de Rachel sea una de fortaleza y fragilidad, de valentía y de miedo. Como dato, Rachel Scott murió de múltiples disparos: En la cabeza, pecho, brazos y piernas; mientras almorzaba con un amigo, Richard Castaldo, en el césped exterior de la biblioteca. Después de eso, su coche fue transformado en un memorial adornado con flores en el parking del colegio por los afligidos estudiantes, de hecho, el Acura Legend rojo de 1988 real, se muestra al final de la película. Al tiempo, llama la atención que el filme deje por fuera al padre, Darrell Scott, que abandonó a la familia sin explorar las razones; después se dedicó al “negocio” con el “Rachel’s Challenge”, una organización sin ánimo de lucro, y que ha escrito al menos 3 libros sobre la vida de su hija y su impacto. Nada de esto sale en el filme… Hablando

Megalo Box

Action & Adventure Animación Drama
8.2

JD (Junk Dog) participa en combates cerrados de boxeo en un ring subterráneo para sobrevivir. Hoy, entra en el ring de nuevo, pero se encuentra con cierta persona. JD quiere aceptar el reto con el que lo arriesgará todo. Megalo Box Critica: Se ha dicho que este anime es de los mejores de 2018. He visto parcialmente Ashita no Joe, por lo que capto las referencias (Que el protagonista se haga llamar Joe y el parecido físico entre ambos, el entrenador tuerto, los niños vagabundos...). Como éste, Megalo Box intenta reflejar las cloacas del boxeo, alejándose del idealismo de Hajime no Ippo. Se menciona Ashita no Joe, porque por mucho que Megalo Box haga guiños a uno de los animes de boxeo más recordados, esto por sí mismo no significa que sea ni mejor ni peor. Hay dos grandes errores: - Los combates: Todos los combates son muy parecidos entre sí. Y no tienen por qué ser parecidos porque se trate de boxeo, o porque este anime pretenda tener combates realistas. (Evidentemente esto no es así al tratarse de boxeo con órtesis mecánicas.) Ni Joe ni sus rivales tienen características particulares (Tan solo uno de los rivales de Joe del cuál se dice que suele jugar sucio, aunque esto no se muestre apenas en el combate), no tienen diferentes posturas, diferentes formas de pelear y no hay ninguna muestra técnica del boxeo real. Joe no tiene que adoptar estrategias diferentes para vencer a sus rivales. Con sus ganas de pelear es suficiente. Esto contrasta enormemente con Hajime no Ippo. El protagonista, Ippo, tiene una forma particular de pelear, es conocido por su poderosa pegada, como Mike Tyson. Ippo se encuentra con rivales con diferentes características, posturas, formas de pelear (Algunos con pegada poderosa, como Ippo, otros hacen fintas, otros tienen una poderosa defensa que aprovechan para agotar al rival) de forma que Ippo debe emplear diferentes estrategias para vencer a sus rivales, aprendiendo algo nuevo en todas las peleas y haciéndose más fuerte, resultando frescas todas las peleas. Y por supuesto, en Hajime no Ippo se muestran y aplican técnicas del boxeo real. El jab, el gancho, el uppercut, el dempsey roll, entre otros. En conclusión, las peleas de Megalo Box son demasiado parecidas entre sí, no son frescas y aburren. El caso más sangrante es el esperado combate final que decepciona enormemente, detalles en spoiler. - Los gear no parecen otorgar ventaja competitiva: Es el futuro, y hacen Megalo box, no boxeo tradicional. El megalobox consiste en combatir con órtesis mecánicas, llamados gears, que básicamente, aumentan la fuerza de los puños del usuario del gear, en detrimento de la velocidad, pues los gears reaccionan con retraso a los músculos del usuario. En la práctica, y en consecuencia de lo que se ve en la serie, no parecen otorgar ventaja competitiva frente a un luchador sin gear, más detalles en spoiler. En conclusión, es un anime entretenido y corto, siendo ésto último algo positivo, pero tal y como hablaban del anime, calificándolo como uno de los mejores de 2018, me ha decepcionado enormemente. Si quieres un anime de boxeo realista en el que se reflejen las luces y sombras del mundo del boxeo, ve Ashita no Joe. Si quieres un anime de boxeo idealista con combates épicos, ve Hajime no Ippo.

El castillo de cristal

Drama
7.1

Una joven crece en una familia disfuncional de nómadas inconformistas, con una madre excéntrica y un padre alcohólico que distrae a los niños con su imaginación para que ignoren su pobreza. Basada en las memorias de Jeanette Walls. The Glass Castle cristal Critica: The Glass Castle está dirigida por Destin Cretton, a cuyas órdenes se han puesto, nada más y nada menos un gran trío de intérpretes. Brie Larson encarna a uno de los cuatro hijos que tuvieron sus progenitores, los Walls (Woody Harrelson y Naomi Watts). Ella ya es adulta, pero mediante regresiones al pasado vamos viendo cómo ha forjado su carácter y de qué manera se han estado protegiendo unos a otros de la incapacidad para educar de sus progenitores. Naomi Watts encarna a una excéntrica mujer, artista y pintora que se aleja de normas y reglas establecidas, y Woody Harrelson es un nómada soñador que se pasaba el día hablando y haciendo planes para que los niños no pensaran en algo que llevarse a la boca, además de alcohólico. cristal En un principio, EL CASTILLO DE CRISTAL os sonará un poco a la enorme Captain Fantastic, película de corte indie, aunque más tarde se irá convirtiendo en una road movie obligada que irá deshilachando la realidad del círculo familiar con el que los cuatro niños deberán luchar hasta conseguir sus propósitos: una educación normal, amistades, profesión y objetivos. Algo de lo que sus padres reniegan constantemente, en una especie de huida hacia adelante hasta que los niños crecen y deciden iniciar su vida lejos de ellos. Flashbacks que entremezclan pasado y futuro, la forja educativa de unos niños que asistieron a situaciones que a más de uno le parecerán durísimas, cosas que un niño jamás debería ver. cristal

Hostiles: Violencia americana

Drama Historia Western
6.8

El legendario capitán del ejército Joseph J. Blocker se compromete para acompañar a un moribundo jefe de guerra Cheyenne y a su familia de regreso a las tierras de su tribu. Para ello tendrán que emprender un peligroso viaje por las praderas montañosas de Nuevo México, dónde se encontrarán con una joven viuda cuya familia fue asesinada en las llanuras por un grupo de comanches que aún rondan por la zona. Juntos, tendrán que unir fuerzas para sobrevivir al castigador paisaje y a las hostiles tribus Comanche que se encuentran por el camino. Hostiles Critica: Hay ocasiones en las que es difícil entender cuál ha sido la estragegia de publicación, distribución y comercialización de una película de alto nivel. "Hostiles" es un claro ejemplo, una película que todavía no se ha estrenado en España y que por el camino que lleva parece que lo hará directamente al "formato doméstico", por llamarlo de algún modo. Y si finalmente se estrena en cines, pues ya lo estará haciendo tarde y mal porque el acceso al cine tiene muchos caminos. Hostiles El caso es que el interés de ver esta la película ahora (cuando no hay publicidad alguna de la misma) require de la propia voluntad del espectador que busca y rebusca filmografías o películas de género y, de pronto, se encuentra con un western de interesante título en el que intervienen buenos actores. Scott Cooper es el director y es su cuarto largometraje. Anteriomente había dirigido, siempre en mi opinión, las pasables "Corazon rebelde" (2009) y "Black Mass" (2015) y la bastante buena "La ley del más fuerte" (2013) también con Christian Bale como actor principal. Con "Hostiles" ha conseguido Scott Cooper su mejor trabajo, casi un peliculón, un western con muchas reminicencias clásicas que se apoya tanto en los actores como en lo fundamental de las grandes películas del oeste, los grandes espacios abiertos del oeste americano. Casi toda la película está rodada en exteriores de este largo viaje desde Nuevo Mexico hasta Montana y los paisajes y su fotografía son espetaculares. Y se preocupa mucho el director de plantarte unos encuadres y unas panorámicas con el grupo de personajes presente que fácilmente me retrotraen al western clásico. Pero no solo es eso, también las instalaciones militares, los fuertes del ejército en medio de la nada, la caballería, este tipo de temática hacía mucho que no se veía (al menos en mi caso) en una película del oeste y hay ocasiones en las que me acuerdo del cine de John Ford por la parte militar y las estancias en los fuertes, y por escena final y especialmente los últimos planos, y también del cine de Antonny Mann y el propio John Ford por los paisajes. Y la historia también es clásica, casacas azules, indios, odio y aceptación. Es la implicación de los actores (especialmente Christian Bale, pero también Rosamund Pike o Wes Studi y Ben Foster) la que consigue que te interese la "historia de siempre". Hostiles

Parásitos

Comedia Drama Suspense
8.5

Tanto Gi Taek como su familia están sin trabajo. Cuando su hijo mayor, Gi Woo, empieza a recibir clases particulares en casa de Park, las dos familias, que tienen mucho en común pese a pertenecer a dos mundos totalmente distintos, comienzan una interrelación de resultados imprevisibles. Parásitos Critica: Pues mirad por dónde, así lo tonto, despacito pero con buena letra, de forma constante pero sin hacer mucho ruido, Bong Joon-ho se está labrando una de las carreras cinematográficas más sólidas del siglo. Desde su debut en el año 2000 ha dirigido siete películas, todas interesantes y algunas realmente buenas. Parasite es su séptimo trabajo, y ha sido el que le ha hecho ganar la Palma de Oro en el Festival de Cannes, siendo el primer director coreano en conseguir dicho galardón. Parasite, como la mayoría de trabajos de Joon-ho, es una obra en constante metamorfosis, una criatura híbrida de pulso impredecible que muta de forma hipnótica, que es una cosa en una escena y en la siguiente es otra. Es comedia negra, drama familiar, thriller psicológico y comentario social, pero en muy raras ocasiones es todo eso al mismo tiempo. La habilidad de Joon-ho reside en cómo transita los cambios tonales, en cómo enhebra los hilos con la precisión de un reloj suizo. Parasite, como Memories of murder y The host, es una película divertida hasta que deja de serlo, una que, en cuanto ve que te relajas en la comodidad que te proporcionan las convenciones de un género, te agarra con violencia y te lleva a otro, confundiéndote, sorprendiéndote y preguntándote en qué momento ha sucedido la transformación. Y de alguna forma, por una suerte de alquimia a la que solo este director parece tener acceso, la película nunca se tambalea. Creo que lo mejor es verla sin saber absolutamente nada de ella, que es como la vi yo, así que voy a ser lo más vago posible a la hora de hablar de su historia. Solo diré que, como ya sucedía en Snowpiercer, la lucha de clases y la estratificación social conforman el núcleo temático de Parasite, pero este es, diría, un trabajo mucho más rabioso. El mundo de Parasite está enraizado en el ahora, en la pobreza, en la ambición, la desesperación y las deudas. Para el Sr. Park, hay una línea que no debe cruzarse, y esa línea es la esencia de toda la película. El guion está lleno de pequeñas sutilezas que enriquecen a los personajes y los enfrentan constantemente. Joon-ho empatiza con la familia Kim, lamenta sus tribulaciones y celebra sus triunfos, los humaniza pero nunca los encumbra. ¿Cómo podría? Tampoco cae en el error de demonizar a la familia Park. Los Park son ingenuos y amables, pero también clasistas y egocéntricos. Ellos viven en su burbuja. Song Kang-ho es el actor que más elogios se está llevando, y se entiende, es el actor más veterano y no es la primera gran actuación que nos regala en una película de Bong Joon-ho, pero la verdad es que todo el elenco está fantástico (pocos directores trabajan las dinámicas de grupo tan bien como él). Visualmente, la película también funciona. Destaco el inteligente diseño de la mansión, metálica y acristalada, fría, casi esquelética. Algo que merece la pena destacar por encima de todo es el uso simbólico de la verticalidad, una manera tremendamente inteligente de distanciar a ambas familias. El director sitúa a la familia Park arriba. Siempre arriba. De camino a la entrevista, vemos a Ki-Woo subir una cuesta de camino a la mansión. Luego, una escalera. Subir significa escalar la pirámide, codearse con la clase alta. Más adelante, el camino inverso. Bajar. Cuánto más bajas, más te acercas al pobre, al desamparado. La familia Kim vive por debajo del nivel del suelo, como bien nos enseña el primer* plano de la pelicula. No son nada. Y qué consecuencias tan diferentes trae la lluvia para unos y para otros. Para mí, lo peor de la película son los últimos diez minutos. En ellos, Joon-ho corre, acelera el desarrollo, recurre a una voz en off barata e innecesaria, y por primera vez en toda la película, peca de impaciente y nos cuenta el desenlace un poco a trompicones. Todo esto hace que los remiendos del guion sean demasiado evidentes, por desgracia. De todos modos, estos diez minutos me parecen algo debiluchos solo en comparación con el resto de la película y ni por asomo echan por tierra todo lo logrado, que es mucho, muchísimo. Parasite está destinada a convertirse en una de las películas del año. Aún no sé si me parece lo mejor que ha hecho Bong Joon-ho (Memories of murder está al nivel), pero es desde luego un trabajo genial, complejo, lleno de lecturas, sorpresas y giros que funcionan, con interpretaciones notables y mucha calidad visual. De obligado visionado. Puntuación: 8,6.